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DANIEL MILLER, Perspectivas sobre una revolución

Mr. Miller, el hombre Mute: sabiduría robótica.

Foto: Òscar Giralt

 
 

ENTREVISTA (2012)

DANIEL MILLER Perspectivas sobre una revolución

Al frente de Mute Records o como interlocutor de toda una generación de músicos de vanguardia, el descubridor de Depeche Mode pasa por ser uno de los personajes clave de la historia de la música electrónica. Desde la explosión sintética derivada del punk hasta el auge del techno en los noventa, Daniel Miller ha jalonado un discurso que huye de los tópicos de la industria... Aunque en esta ocasión Miller apadrinó la serie “Electrospective”, con la que EMI reeditó 500 álbumes de fondo de catálogo con (supuesta) vitola de clásicos de la electrónica: referencias comprendidas entre 1958 y 2012. Jaime Casas aprovechó la ocasión para entrevistarlo.

Hablar de Daniel Miller es hacerlo de Depeche Mode. O al menos eso es lo que han considerado la mayor parte de periodistas que lo han entrevistado a lo largo de los años. “Ha sido una pregunta recurrente, sin duda”, reconoce; acaso el gran tópico que ha acompañado al fundador de Mute. “Más que un tópico, creo que es la manera más sencilla de situarme en el mapa musical para aquellos que no conocen el resto del catálogo de mi sello”. Mute también ha dado cobijo a innumerables bandas fundamentales de la historia del pop de las últimas décadas. Yazoo, Erasure, Nick Cave & The Bad Seeds, Cabaret Voltaire, Einstürzende Neubauten, Inspiral Carpets, Nitzer Ebb, Renegade Soundwave, Throbbing Gristle y Wire, entre muchos otros. Aunque su labor como productor con el grupo de Dave Gaham y Martin Gore le han granjeado una suerte de gloria eterna. Y Depeche Mode se lo han agradecido en cada nueva referencia. “Es un gesto muy amable por su parte”, dice; “son muy considerados”. Aunque sobre este particular ya está todo dicho: no hace falta darle más vueltas. “Estoy de acuerdo, hablemos de otra cosa”, espeta aliviado.

“En realidad solo tuve una idea sobre lo que debía ser el sello, y no he necesitado cambiarla en ningún momento: la pasión, la originalidad, la creatividad, el pensamiento avanzado, la apertura de miras y el convencimiento de nunca copiar nada. Son muchas ideas que convergen en una: Mute”

Cuando en 1978 puso en circulación el primer y único single de The Normal, “Warm Leatherette”, la primera de sus dos únicas incursiones como músico, donde aparecía la dirección de su domicilio particular y un sello desconocido, Miller estaba inaugurando la historia de una de las plataformas indies más reconocidas de Reino Unido. Los primeros años de Mute estuvieron protagonizados por el auge del tecno-pop; como mentor de la llamada “Synth Britannia”, Miller introdujo el sintetizador en el imaginario del punk. Después, el sello ha vivido de un eclecticismo acorde con las corrientes de cada década. “Quizá el momento menos adecuado para Mute fue durante los noventa –reconoce–. En la época dorada del britpop fue complicado encontrar nuevos fichajes. No me gustaban esos grupos y, a pesar de que se estaba viviendo un buen momento para el techno, las posibilidades que ofrecían las bandas del momento no encajaban con mi idea de lo que tenía que ser Mute”. A pesar de la venta del sello a EMI en 2002, Miller ha seguido manejando la dirección artística. Ha sido capaz de adaptar esa ideología que propuso a finales de los setenta a la coyuntura de cada momento. “En realidad solo tuve una idea sobre lo que debía ser el sello, y no he necesitado cambiarla en ningún momento. La idea es incluso anterior a la creación de Mute”. Y se vertebra en torno a “la pasión, la originalidad, la creatividad, el pensamiento avanzado, la apertura de miras y el convencimiento de nunca copiar nada. Son muchas ideas que convergen en una: Mute”.

Su primer contacto con la electrónica tuvo mucho que ver con su hartazgo con los tópicos del rock y el pop. Creo que la música electrónica atrae a gente con un visión futurista de la música, avanzada. Al principio, cuando empecé a meterme en la música electrónica en 1977, ya existía una tradición que venía de las bandas alemanas. Gente como Kraftwerk, Tangerine Dream y otros artistas que utilizaban la instrumentación electrónica, como Can o Neu! Pero no había ningún grupo que representase esa tendencia en el post-punk. El punk todavía no había asimilado la electrónica en ese momento. Pensaba que la electrónica era un medio futurista de entender la música; por eso me decidí a publicar mi primer single. Porque en ese momento había otra gente haciendo lo mismo; grupos como Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, The Human League... Había un interés genuino en muchos músicos por hacer un tipo de música futurista.

 
DANIEL MILLER, Perspectivas sobre una revolución

“Toda la electrónica proviene de Kraftwerk. La gente de mi generación estuvo muy influenciada por ellos. Depeche Mode, The Human League, cualquier grupo de esa época mamó su música”.

Foto: Òscar Giralt

 

¿Qué circunstancias se dieron para que la electrónica se asimilara como un género más de la cultura pop? Una serie de circunstancias favorables: el punk todavía pensaba que podía romper con el pasado, inspiró a la gente acerca de lo que podían hacer; los sintetizadores se abarataron, eran más accesibles. La gente sintió que era un momento diferente, que la música pop podía ser cualquier cosa. Ya en 1976, la música rock hecha con guitarras llevaba más de veinte años asimilada; en 1977, de algún modo, la fórmula parecía agotada. El pop necesitaba una patada en el culo y, en parte, eso fue el punk. Fue el detonante. Y la música electrónica fue el resultado de este proceso de agotamiento.

Sin duda, el sentido de la música electrónica ha mutado con los años. ¿Qué diferencias observa entre la primera ola y lo que sucede ahora? Si lo comparas con el momento en que empecé, es evidente que el concepto de música electrónica ha cambiado. Es diferente. En los setenta la electrónica no formaba parte del lenguaje musical; era una rareza, incluso había gente que la consideraba “no música”. Ahora es el lenguaje principal del pop: abarca todos los estilos. Desde la IDM, un concepto que odio, hasta el dubstep, el hip hop, el drum'n'bass, el techno o simplemente el pop. La electrónica está en todas partes y hace mucho tiempo que está asimilada. Casi diría que el único lenguaje del pop es la electrónica. Es algo positivo, pero el problema es la falta de originalidad. Antes era sencillo ser original. Ahora todo el mundo escucha electrónica continuamente y es mucho más complicado conseguir hacer algo diferente y nuevo.

“En los setenta la electrónica no formaba parte del lenguaje musical; era una rareza, incluso había gente que la consideraba ‘no música’. Ahora es el lenguaje principal del pop: abarca todos los estilos. Desde la IDM, un concepto que odio, hasta el dubstep, el hip hop, el drum'n'bass, el techno o simplemente el pop. La electrónica está en todas partes y hace mucho tiempo que está asimilada. Es algo positivo, pero el problema es la falta de originalidad”

Uno de los factores que ha empobrecido la electrónica es el ejercicio de estilo redundante. ¿Qué es, en su opinión, lo que hace trascendente a este género? ¿Qué es lo que hace original al pop? Creo que conecta emocionalmente con la gente. Incluso la música más sencilla debe conectar con la gente. El nivel de conexión es lo que la hace buena o mala. La electrónica hoy en día es un instrumento, ya no es un género en sí misma. Lo fue en el pasado, pero ya no. Actualmente es solo una herramienta. El problema es que la tecnología es la que dirige los cambios musicales y esta avanza muy deprisa y no debería ser así. Debería ser una herramienta de los músicos y que estos fueran capaces de dirigir los cambios tecnológicos. Y para que el músico sea capaz de dirigir la tecnología debe ser muy disciplinado y estar muy concentrado. Cuando un músico consigue dirigir la tecnología es cuando logra ser original y llegar allá donde realmente se quiere ir. Mucha gente adapta la tecnología utilizando sonidos de diferentes fuentes, pero es un proceso demasiado genérico. Lo que realmente se debe hacer es controlar la tecnología y hacerla avanzar junto a la música.

La fuerza del minimalismo de “Autobahn” (1974) de Kraftwek lo hace el disco más destacado de la serie “Electrospective”, según usted... Todavía me interesa el minimalismo como concepto. La idea de presentar lo máximo posible con los mínimos recursos. No sé el impacto que puede tener ahora Kraftwerk entre la gente joven, si puede ser tan acentuado como en mi caso. Fue algo muy novedoso. De hecho, toda la electrónica proviene de Kraftwerk. La gente de mi generación estuvo muy influenciada por ellos. Depeche Mode, The Human League, cualquier grupo de esa época mamó su música. Y las generaciones siguientes entraron en contacto con la electrónica a través de nosotros. Espero que estas reediciones hagan que la gente entienda que Kraftwerk fue nuestra máxima inspiración.

Se me hace complicado ver los puntos en común entre los discos reeditados... La conexión es la identificación de la electrónica como género. La instrumentación ha  cambiado con los años: desde el sintetizador hasta el sampler, que ha ayudado a crear nuevos estilos. La conexión entre estos discos es la idea de mostrar todo el espectro estilístico que cobija la electrónica. La inclusión de artistas como David Bowie es para demostrar que también él estuvo muy influenciado por Kraftwerk.

Pero usted no escogió los títulos de “Electrospective”. No me puedo creer que gente como David Guetta esté en una selección suya. No, no los escogí. El problema de esta serie de reediciones es que no queda representada toda la historia de la electrónica. Revisé la selección, pero no escogí los títulos. Lo que se pretendía era representar todos los aspectos de la electrónica. No es una recopilación subjetiva. Es un documento. Y David Guetta es una parte del dance. 

 

CUATRO CLÁSICOS DE UN PEDAZO DE HISTORIA DE LA ELECTRÓNICA

DANIEL MILLER, Perspectivas sobre una revolución

KRAFTWERK
“Autobahn”
(1974)

El cuarto disco del grupo “más importante de la historia”, según Miller, rompía con la tendencia instrumental de las primeras entregas. “Autobahn”, un corte de veintidós minutos que introdujo los desarrollos vocales en la música de los pioneros del krautrock, fue el primer single de los alemanes (y de la electrónica) en entrar en listas yanquis. Sobre un tapiz de hipnótico minimalismo dibujaron los patrones de una rítmica que luego definió el techno y el electro.

DANIEL MILLER, Perspectivas sobre una revolución

BRIAN ENO
“Ambient 1. Music for Airports”

(1978)

El primer intento consciente de conceptualizar la “no-música”. Después de los inspirados escarceos pop, Brian Eno, ayudado por el piano de Robert Wyatt y el productor Rhett Davies, construyó sobre loops y una línea de piano una idea de paisajismo sonoro, la que acuñó el concepto de ambient. La primera entrega de la serie “Ambient”, concebida para una instalación artística, dio sentido a una nueva idea del minimalismo, iconoclasta y evocadora.

 
DANIEL MILLER, Perspectivas sobre una revolución

DEPECHE MODE
“Violator”

(1990)

El disco que convirtió a los pioneros del synthpop en estrellas globales. La séptima entrega del grupo que hizo grande a Mute significó el cenit de un sonido que aquí se despojó de la pátina arty. Las recurrentes obsesiones sexuales y la angustia posadolescente marcaron el eterno melodrama que se observa en “World In My Eyes” y en el hit para la posteridad en el que se convirtió “Personal Jesus”, el tema más reconocido de la historia del tecno-pop.

DANIEL MILLER, Perspectivas sobre una revolución

DAFT PUNK
“Homework”
(1997)

Casi un clásico. Casi un antes y un después. A punto de colisionar con un nuevo punto de vista de la música de baile. El primer álbum del dúo francés sin rostro subió tan alto como pudo, hasta llegar a definir el zeitgeist de un período clave de la electrónica, pero nunca superó el estado de disco de culto. Fue al funk lo que “Scremadelica” (1991) de Primal Scream al rock; y dio al house de Chicago su último aliento de vida en los noventa.

 
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