MIRA: nuevas declinaciones de la música electrónica

Simon Reynolds afirma en su libro “Futuromanía. Sueños electrónicos, máquinas deseantes y la música del mañana… hoy” (2020) que la voz humana manipulada tecnológicamente se ha convertido en el principal vector de innovación de la música del futuro. Y a la vista (o a la escucha) del panorama ofrecido por esta edición de MIRA no podemos sino darle la razón. Efectos como el reverb y el delay o softwares como Auto-Tune, Vocaloid y otros similares han sido profusamente utilizados en esta nueva edición del festival, que ha vuelto a ocupar varias naves de la Fira Montjuïc, configurando un futuro en el que nada es lo que parece ser. Pero, aterrizando ya en la realidad, en los intermedios entre actuación y actuación las pantallas reproducían las reclamaciones del Sindicat de Llogateres y su llamada a la huelga general del 11N.

Aunque con toda seguridad el MIRA –se ha celebrado los días 6 y 7 de noviembre– comparte público con el Sónar, sí que es cierto que el festival otoñal apuesta por el lado más exploratorio de la música electrónica, que en las últimas ediciones de Sónar (y sobre todo en la más reciente) ha sido en parte soslayado. Y así, en MIRA 2026 ha sido posible disfrutar de la performance cafre de Corprès (entre el control, el caos y el absurdo), de la disrupción continua y el ruido blanco del japonés Ryuichi Kurokawa, de los ciberdélicos fuegos artificiales de Max Cooper, de excelentes sesiones a cargo de Anthony Rother con su proyecto DATAPUNK (techno europeo con precisión de cirujano), Helena Hauff y el heraldo cósmico DJ Zero, o de las bizarras performances del mexicano Óldo Erréve, que fluctuaron entre lo techno-azteca y una hilarante combinación de danza butoh, criaturas de “Avatar” y new age of the new age. Aunque, sin duda, lo mejor de esta edición han sido las actuaciones de Tortoise, Martin Rev y, sobre todo, Space Afrika.

Aunque la electrónica es la argamasa que da sentido al festival, MIRA no elude conexiones con otros géneros y derivaciones. Esta edición arrancó con Del Gesù, un proyecto a caballo entre Barcelona, París y Atenas, cuyo directo se sostiene en un desarrollo muy teatral, que parece ubicarse entre el reinado de las sombras y la sacralidad del fuego, entre lo espiritual y lo épico, y con esa manipulación de la voz de la que habla Simon Reynolds llevada al extremo. Tras el nombre de Grand River, por otro lado, se esconde Aimée Portioli, una italo-holandesa que actualmente reside en Berlín. Con varios discos editados por el influyente sello austriaco Mego, basa su música en la repetición continua e hipnótica. Es el suyo un techno emocional e inquietante, que pasa de lo atmosférico al clímax épico, de la caricia a los sonidos cortantes. Utilizando sampler y guitarra con arco, creó envolventes espacios sonoros que llegaron en su parte final a una nueva forma de minimalismo electrónico.

La danesa ML Buch se ha hecho un hueco dentro de la escena introduciendo el folk en el universo electrónico. Universo que, al menos en esta ocasión, sirvió únicamente de colchón sonoro a unas canciones impregnadas de un espíritu folk más próximo a Sandy Denny que a Joni Mitchell, aunque quizá de quien más cerca esté su tonalidad vocal sea de Suzanne Vega. Posee, en cualquier caso, una bonita voz, que llevó a su culmen en “Pan Over The Hill”, con ese suave toque dream pop.

El austriaco Christian Fennesz celebraba el 25º aniversario de, quizá, su álbum más icónico, “Endless Summer”. Para ello se presentó en el festival como Fennesz & Lillevan, uniendo la cautivadora música de ese disco a los sinuosos visuales del videojockey Lillevan en un ejercicio de sinestesia absoluta. Cuando la música de Fennesz se ponía intensa las imágenes de Lillevan –que formó parte del colectivo de culto Rechenzentrum– eran llameantes y de colores rojizos, y cuando la música viraba hacia lo onírico las imágenes se volvían líquidas y azuladas, captando las tonalidades cromáticas al vuelo. Fue una lástima que a la mitad de su actuación sufrieran un apagón, que cortó un poco el efecto narcótico y ensoñador de una música a caballo entre el ambient y el noise más amable.

Tortoise, gran emblema de la escena post-rock de Chicago, firmaron una de las mejores actuaciones de esta edición. Como si se tratara de unos modernos Soft Machine imbuidos del minimalismo a lo Steve Reich, los miembros del grupo (no estaba con ellos esta vez el gran guitarrista Jeff Parker) se fueron intercambiando los instrumentos durante toda la actuación, que sirvió fundamentalmente para presentar su magnífico álbum de retorno, “Touch”, del que sonaron temas como “A Title Comes” (con su bonita melodía), “Vexations” (casi la base de un tema de The Cure), “Oganesson” o ese “Axial Seamount” en onda krautrock. Pero quizá lo más emocionante fue su interpretación con marimbas del celestial “Ten Day Interval” de hace casi treinta años.

Y del prog rock de nuevo cuño a la audaz dance music de una Shygirl convertida en icono del colectivo LGTBIQ+, que se mueve como pez en el agua en festivales de corte experimental. Emergió como una Venus de Willendorf cantando “Alyse”, y fue encadenando hits a caballo entre el R&B futurista, el hip house, la balada rapera o el drum’n’bass en temas como “Eternal”, “Lucky (Hymn)”, “Cleo”, “4eva” o “Mantra”.

Por su parte, la venezolana Arca inició con un guiño a Bach un set en el que breakcore, ritmos al galope y caos fueron los principales ingredientes, ante el asombro de un público que quizá esperaba otra cosa. Se tumbó encima de la mesa donde estaban sus aparatos, mezcló ambient y hard house, y más que de su experimental nuevo trabajo, “XXXXX”, incorporó a la mezcla temas de su serie “KiCK”, como “Fiera”, o canciones ajenas como “Juana Polinaria” del grupo venezolano Tambor Urbano. Lo mejor de Arca es su impredecibilidad: no hace dos shows iguales. Eso sí, se echó de menos la exuberancia de otras de sus puestas en escena.

Al poco de comenzar la segunda jornada del festival, se coronaban como campeones de esta edición Space Afrika. Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang salieron casi a oscuras al escenario entre una niebla de humo cuando comenzaba a sonar “Vanity”, la canción que abre su último disco, “Quiet Storm”. La voz operística de Axelle Fanyo (enlatada) emergía de una enrarecida atmósfera sonora, al mismo tiempo entre ecos espaciales, mientras las imágenes capturaban la oscura vida de los suburbios ingleses. Como si se tratara de unos Massive Attack de la era pos-COVID (de Mánchester en lugar de Bristol), Space Afrika mezclan en su música los sonidos desasosegantes del illbient, los subgraves, el spoken word, el rap, violines y violonchelos. Puro groove oscuro y cósmico a un tiempo. Como si se tratara de una pesadilla de la que no quisieras despertar. Lo dicen ellos mismos: “We make dreams come true… forever and ever”. ¡Tremendos!

El ecuatoriano Nicola Cruz, muy alejado ya de sus primeros discos, “Prender el alma” y “Siku”, con los que patentó el andestep, ese género que mezclaba música andina y electrónica, realizó un set visualmente parco y aséptico, pero musicalmente muy colorista, groovy y bailable, combinando el acid funk con el tribal techno y toques dub.

Pero el encargado de prender la revolución fue Martin Rev, superviviente de esa institución pionera que fue en los años setenta Suicide, el dúo que formaba junto al desaparecido Alan Vega. Aporreando, más que tocando, sus teclados y cantando con su voz de ultratumba, Martin Rev puso en marcha su alborotado rock’n’roll del hiperespacio y, pasando ampliamente de su repertorio dorado, se dedicó a desguazar el “Wooly Bully” de Sam The Sham and The Pharaohs, temas de doo-wop o descargas salseras, todo ello filtrado por su chicharra electrónica noisy en una actuación absolutamente magnética.

La norteamericana April Harper Grey, verdadero nombre de underscores, se ha hecho un hueco en las filas del hyperpop. Y, de hecho, una buena parte del público asistente coreaba muchas de sus canciones. Considerada una renegada del dubstep, al que se dedicó inicialmente, ahora intenta competir en la misma liga que Charli XCX, aunque su música no tiene su mismo nivel. Cantó “Locals (Girls Like Us)” bajando del escenario entre un enfebrecido público, y siguió con temas que combinan R&B, hyperpop, ritmos locos y k-pop como “The Peace”, “Tell Me (U Want It)” o “Unlimited Love” con una puesta en escena muy pobre, algo que se lleva mucho ahora. Como arte povera, pero en su vertiente musical (nótese la ironía).

En cuanto a Machine Girl, es el trío que lidera Matthew Stephenson, versión neoyorquina del digital hardcore que patentó en su día Atari Teenage Riot. O lo que es lo mismo, una ruidosa y potente mezcla, a toda velocidad, de punk y breakcore, a veces incluso con ciertos ecos de The Slits en el álbum “Cut”, que se sustanció en temas como “Be Not Afraid” o “Ignore The Vore”. Stephenson también se bajó a cantar en alguna ocasión entre el público, que bailó pogo a placer.

El honor de cerrar el festival en su escenario principal le correspondió a dj g2g, persona no binaria de raíces danesas y uruguayas que ofreció un fantástico y anárquico (en su mejor sentido) set en el que mezcló hyperpop a lo PC Music, moombahton, guaracha, dubstep, breakcore y lo que le echaran. Música, en definitiva, de una creatividad libérrima. Y, por si fuera poco, con una excelente técnica. Un buen broche para esta edición de un festival que ofreció nuevas declinaciones de la música electrónica. ∎