Más allá de las musas: las mujeres artistas en el movimiento Prerrafaelita

La consideración por la belleza, la sensibilidad ante la profundidad del intelecto, el amor por la naturaleza, la predilección por el misticismo y una estrecha relación con la idea de la oscuridad materializada entre la melancolía y la muerte son algunos de los temas que han caracterizado a la Hermandad Prerrafaelita. Fundada en Londres en 1849 por artistas como John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti o William Morris –y apoyado en las ideas de John Ruskin al que se suma el despliegue ensayístico de Oscar Wilde– este movimiento, en sus inicios, se valió de las mujeres tan solo como modelos y musas.

Pero lo que demuestra “Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850 -1914)” es que más allá de ser sometidas a la temperatura gélida del agua para conseguir una estampa épica o pedir que permanecieran en la más absoluta quietud, mirando por una ventana con una expresión facial inundada en melancolía, las mujeres artistas de este movimiento eran una realidad materializada en una creatividad tan prolífica como tangible. Dicha exposición puede verse en la sede madrileña de Fundación Mapfre - Sala Recoletos (Paseo de Recoletos, 26) del 24 de septiembre al 10 de enero de 2027 y tiene como protagonistas a 42 artistas, entre las que destacan May Morris, Elisabeth Siddal (la modelo que protagonizó la obra “Ophelia”, de John Everett Millais), Margaret Howitt, Julia Margaret Cameron, Eleanor Fortescue-Brickdale, Evelyn de Morgan, Marie Spartali Stillman, Emma Sandys o Eleanor Vere Boyle, entre otras.

La exposición, que tiene el sello reconocible de Fundación Mapfre –gracias a la sofisticación de los contenidos que se acercan al público general– escenifica mediante los formatos de plumilla, acuarela, óleo, fotografía, textil, cerámica o vidrio la razón de ser de un movimiento que surge del rechazo al academicismo y los cánones artísticos derivados del Renacimiento italiano que tenía a su máximo exponente en Rafael (1483-1520).

Pamela Gerrish Nunn, comisaria de la selección de las 130 obras que componen la muestra, también firma los textos del catálogo, los cuales funcionan como pequeños ensayos en los que la cuestión antropológica se trenza con la descripción de esta escena artística que se apoyaba, como no podía ser de otra manera, en las artes y los oficios: “Las mujeres que se sintieron atraídas por el prerrafaelismo tenían en común la independencia de su pensamiento, al margen de su posición social”. Este volumen, que además incluye una biografía de cada una de las artistas, funciona como un artefacto a caballo entre libro de historia, coffee table book y libro de artista para erigirse, sin duda, como una pieza de memorabilia imprescindible entre quienes sientan absoluta devoción por la historia de este movimiento y de sus protagonistas.

Se podría decir que el grupo de reconocidas mujeres artistas no operaba como un colectivo ni tenía como cabecera ningún texto fundacional, aunque tal y como reflexiona Gerrish “es posible que todas leyeran a la poetisa Christina Rossetti” (1830-1894, hermana de Dante Gabriel Rossetti). De la producción de Rossetti, destacan títulos como “El mercado de los duendes” (“Goblin Market”), pero, sin duda, su poema “La belleza es vana” refleja la mezcla de matices perfecta entre la predilección por sucumbir a los impulsos del juego de la seducción y la contención: “Mientras las rosas son rojas / Mientras los lirios son tan blancos / ¿Va una mujer a exaltar sus rasgos / solo para brindar placer? / Ella no es tan dulce como la rosa / El lirio es más altivo y pálido / Y si ella fuese como el rojo o el blanco / Sería apenas una entre varios”.

Del 2D al 3D, el trabajo de esta selección de artistas que transgredieron el papel de modelos, musas, madres, hermanas o hijas para ser las directoras creativas de su propia visión del mundo reflejada en esta exposición –cuyas entradas ya están a la venta pinchando aquí–, dividida en nueve temáticas que van desde el arte en la vida cotidiana a las esperanzas y los sueños pasando por: belleza y verdad en la naturaleza, un mundo en un grano de arena, realidades imaginadas, personajes de la realidad y la ficción, inocencia decorativa, lo útil y lo bello, y el medievalismo.

En el imaginario de los años de la contracultura, en la que la psicodelia y el rock’n’roll tuvieron un papel destacado, la influencia prerrafaelita estuvo presente especialmente a nivel gráfico.

La gráfica de la contracultura entre la década de 1960 y 1970 fue la respuesta contra el diseño corporativo, frío y minimalista popularizado a mediados del siglo XX como síntoma de modernidad. Los artistas de diversas disciplinas decidieron expresar la expansión de la conciencia, la libertad sexual y el rechazo al materialismo, con una identidad visual que reflejara el resultado surgido de combinar el Prerrafaelismo y el Art Déco y el Art Nouveau.

La Hermandad Prerrafaelita aportó el ideal estético de la figura humana: mujeres etéreas de melenas largas y ondulantes, envueltas en túnicas, rodeadas de vegetación, flores y con aura mística. Diseñadores como Alton Kelley y Stanley Mouse adoptaron esta representación romántica del cuerpo y la naturaleza para evocar la utopía hippie.

Aunque a menudo se menciona el Art Déco, el antepasado de la psicodelia fue el Art Nouveau, en el que destaca, por ejemplo, Alphonse Mucha. Las tipografías fluidas cuya lectura representaba todo un juego fue idea de creadores como Wes Wilson o Victor Moscoso. Del Art Déco, por su parte, heredaron la simetría teatral, las composiciones enmarcadas, las paletas de color con alto contraste y el uso de patrones geométricos que, al combinarse con colores complementarios e intensos, creaban un efecto óptico de vibración en la retinas.

Kelley y Mouse encontraron en la biblioteca pública de San Francisco una ilustración en blanco y negro realizada en 1913 por Edmund Joseph Sullivan para el poema “Rubaiyat” de Omar Jayam. Dicha ilustración original estaba profundamente impregnada del gusto prerrafaelita por los esqueletos entrelazados con guirnaldas de rosas y el simbolismo de la vanidad (el memento mori). El diseño se completó coloreándolo con tonos rojos y azules, convirtiéndolo en reconocible, e inmortal, emblema de la banda liderada por Jerry Garcia.

No cabe duda de que la reputación construida por las 42 mujeres de la exposición “Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914)” corrobora que su producción no reclama un lugar en la hermandad, sino que la da a conocer a quienes todavía no sabían que ellas existían más allá del rol de musas.

Las 130 obras que componen esta muestra, que desde ayer y hasta el 10 de enero de 2027 podrá visitarse en la madrileña Sala Recoletos, son la excusa perfecta para sumergirse en un universo de voces propias que transgredieron el arte victoriano desde lo femenino. ∎