La semana vista por…

El director, actor, guionista y productor Rob Reiner y su esposa Michele Singer fueron encontrados muertos, apuñalados, en su domicilio de Brentwood (Los Ángeles). Reiner, nacido en Nueva York en 1947, tenía 78 años. Comenzó su carrera en los años sesenta como guionista de comedias televisivas y en la década de los setenta fue uno de los protagonistas de la serie “Todo en familia”. Como director filmó películas inolvidables como “This Is Spinal Tap” (1984), “Cuenta conmigo” (1986), “La novia prometida” (1987) y “Cuando Harry encontró a Sally” (1989), verdaderos clásicos del cine de los años ochenta. En la siguiente década, “Misery” (1990) y “Algunos hombres buenos” (1992) se añadieron a su racha de éxitos. Descanse en paz.

Por desgracia, esta semana también hemos de decir adiós a varios músicos. Joseph Byrd (1937-2025), fundador y mente creativa de la influyente banda de rock psicodélico The United States Of America, falleció a los 87 años el 2 de noviembre, pero no ha sido hasta el pasado fin de semana cuando la noticia de su muerte trascendió. The United States Of America fueron una formación singular del final de los años sesenta que destacó por su fusión de rock, electrónica primitiva y arreglos experimentales con influencia de música concreta y vanguardias americanas. El grupo es recordado especialmente por su álbum homónimo de 1968, que marcó un hito en la música psicodélica por su uso pionero de sintetizadores y su aproximación radical al sonido de rock. Byrd, compositor y director del proyecto, también fue un académico y músico con una carrera vinculada a la experimentación sonora. Su muerte es una pérdida notable para la comunidad de músicos y aficionados al rock experimental y psicodélico.

Y también tenemos que despedir a Brent McLachlan (1967-2025), batería del trío neozelandés Bailter Space, que falleció el 11 de diciembre a los 58 años a causa de un cáncer. El grupo dio a conocer la noticia a través de su cuenta oficial en Instagram con un escueto mensaje: “echaremos de menos a nuestro hermano”. Muy apreciado por los aficionados al noise y el shoegaze, el grupo oceánico creció en el emblemático sello kiwi Flying Nun a finales de los ochenta antes de fichar por la discográfica estadounidense Matador a principios de los noventa, que publicó sus trabajos de mayor alcance –“Robot World” (1993), “Vortura” (1994) y “Wammo” (1995)– en dicha década. Seguían en activo y este año autoeditaron “Fused”, álbum de cuya mezcla se encargó McLachlan.

Como si “The Eras Tour” no hubiera sido ya suficientemente omnipresente, Disney+ se convierte ahora en el archivo oficial del fenómeno con dos nuevos proyectos de Taylor Swift que han llegado en exclusiva a la plataforma. Por un lado “The End Of An Era”, docuserie de seis episodios que promete enseñar las tripas –emocionales y logísticas– de una gira que batió récords mientras reunía testimonios de amigos, invitados ilustres y cómplices creativos como Gracie Abrams, Sabrina Carpenter, Ed Sheeran o Florence Welch. Por otro, “Taylor Swift | The Eras Tour | The Final Show”, la versión extendida del último concierto en Vancouver que incorpora íntegro el repertorio de “THE TORTURED POETS DEPARTMENT”, añadido a la gira tras el lanzamiento del álbum en 2024. Dos estrenos pensados para fans completistas, historiadores del pop y curiosos profesionales del “cómo demonios se gestiona esto”, porque si algo queda claro es que, cuando Taylor Swift cierra una era, siempre lo hace abriendo al menos dos carpetas nuevas… preferiblemente en streaming.

Pero hay más sobre Swift… Resulta que la diva estadounidense ha modificado de forma discreta la letra de dos canciones de su álbum “Reputation” (2017) durante recientes interpretaciones en directo, un gesto que no ha pasado desapercibido para sus seguidores y ha reavivado las especulaciones sobre la posible llegada de nueva música. Los cambios, sutiles pero significativos, han sido interpretados por muchos fans como pistas deliberadas dentro de la narrativa habitual de la artista, conocida por jugar con dobles lecturas, mensajes ocultos y guiños a futuras etapas creativas, especialmente en un momento en el que continúa revisitando y resignificando su catálogo anterior.

Y si antes citábamos a Florence Welch y su colaboración con Taylor Swift, ahora la londinense ha descrito aquel dueto durante la gira “Eras Tour” como tan emocionante como “aterrador”, no tanto por cantar junto a una de las mayores estrellas del planeta como por enfrentarse a un estadio lleno de fans que saben cada sílaba mejor que tú. Welch admite que el momento fue imponente –luces, pulseras, gritos y devoción casi litúrgica– y que subirse a ese escenario suponía aceptar que, durante unos minutos, el listón de la épica pop estaba peligrosamente alto. Una colaboración memorable, sí, pero también una de esas situaciones que confirman que incluso las sacerdotisas del rock alternativo pueden sudar frío cuando entran en el territorio Swift.

Es hora de hacer balance del año que termina. Beyoncé ha cerrado 2025 coronándose como la artista en solitario con la gira más rentable del año gracias a su “Cowboy Carter Tour”, una hazaña que, por si fuera poco, también la convierte en la responsable de la gira country más lucrativa de todos los tiempos. Con solo 32 conciertos y un planteamiento de minirresidencias en ciudades clave como Londres, Nueva York o Las Vegas, la gira recaudó más de 400 millones de dólares y vendió 1,6 millones de entradas, demostrando que no hace falta recorrer medio planeta si sabes exactamente dónde colocar el escenario. Por detrás quedaron nombres como The Weeknd, mientras Coldplay seguía haciendo de Coldplay a escala industrial. El tour, además, dejó momentos para el álbum de recuerdos –reunión sorpresa de Destiny’s Child, apariciones de Jay-Z y Miley Cyrus– y alguna anécdota menos glamurosa, como el robo de discos duros con material inédito. En resumen: Beyoncé volvió a jugar en otra liga, rompió varios récords de una tacada y dejó claro que, si el country iba a tener una reina, mejor que trajera cifras, espectáculo y sombrero propio.

Según informes recientes, piratas informáticos habrían estafado unos 5.3 millones de dólares a fans de grandes artistas durante 2025 haciéndose pasar por perfiles falsos de estrellas como Taylor Swift, Sabrina Carpenter, Billie Eilish y otros nombres populares, empleando cuentas impostoras para engañar a seguidores con supuestas ventas de entradas, mercancía o experiencias exclusivas; la noticia ha generado alarma en la comunidad de seguidores y en la industria, que insisten en alertar sobre la importancia de verificar enlaces oficiales y canales autorizados antes de realizar cualquier compra o intercambio de datos personales.

Sharon Osbourne ha explicado por qué no estuvo junto a Ozzy Osbourne (1948-2025) en el momento de su muerte, pese a que ambos habían hablado en el pasado de un supuesto pacto para morir juntos. Según ha contado, aquel acuerdo nunca fue literal, claro, sino una manera simbólica de expresar su unión y su deseo de envejecer juntos, y cuando llegó el final las circunstancias fueron distintas: Ozzy murió rodeado de familiares y personas cercanas, mientras Sharon atendía otras necesidades derivadas de una situación tan delicada. Sus palabras, lejos de cualquier polémica, ofrecen una reflexión íntima sobre una de las parejas más icónicas del rock y subrayan que incluso los vínculos más fuertes se enfrentan a la imprevisibilidad del último momento.

El rapero Pooh Shiesty, tras su salida de prisión, ha regresado oficialmente a la actualidad musical con un nuevo single –el primero desde que salió– recordándole al mundo (y a cualquier promotor despistado) que las pausas en su carrera nunca fueron por falta de carisma sino por… circunstancias legales. “FDO”, que así se titula el tema, marca un regreso que mezcla la agresividad de siempre con un pulso renovado, como si alguien le hubiera susurrado al oído: “Sí, sigue siendo hip-hop… pero ahora con un contrato de libertad condicional de regalo”. Y si hay algo que demuestra este regreso es que, en el rap moderno, salir de prisión puede ser menos un obstáculo y más bien una especie de giro argumental digno de segunda temporada. Al menos ya no está pagando páginas en el código penal, sino intentando recuperar su lugar en las listas.

Brian Eno, Neneh Cherry y un nutrido grupo de artistas han unido fuerzas para publicar un single benéfico a favor de Palestina, “Lullaby”, una de esas iniciativas que recuerdan que, cuando la política internacional se vuelve insoportablemente compleja, la música vuelve a intentar decir lo que los gobiernos no saben o no quieren. El tema, de espíritu colectivo y vocación humanitaria, reúne sensibilidades muy distintas bajo una misma causa, con Eno aportando su habitual mirada reflexiva y Cherry ese equilibrio entre conciencia social y elegancia artística. No es la primera vez –ni será la última– que ambos ponen su nombre al servicio de algo más grande que una lista de reproducción, aunque el verdadero reto, como siempre, será que el mensaje llegue tan lejos como las buenas intenciones.

¿Te acuerdas de 4 Non Blondes? Han anunciado que están preparando su primer álbum nuevo en 34 años, una noticia que automáticamente obliga a muchos a comprobar dos cosas: si el calendario funciona bien y si “What’s Up?” –su único éxito– sigue sonando exactamente igual en su cabeza que en 1992. La banda, liderada por Linda Perry antes de que esta se convirtiera en una compositora todoterreno para medio pop mundial, reaparece cuando nadie lo esperaba y justo cuando el concepto de “regreso” empieza a ser más largo que muchas carreras completas. No hay demasiados detalles sobre el sonido del disco, pero la mera existencia del proyecto ya es un pequeño milagro pop, de esos que demuestran que en la música nunca se dice “nunca”, solo “cuando nos apetezca”.

21 Savage ha opinado que Drake no podría ganar una batalla de rap contra Kendrick Lamar, una afirmación que ha encendido el debate eterno sobre quién gana cuando el beef se mide en técnica, credibilidad y memoria histórica. Según Savage, quien acaba de publicar nuevo álbum, “WHAT HAPPENED TO THE STREETS?”, Kendrick juega en otra liga cuando se trata de lirismo, profundidad y capacidad para convertir una disputa en arte con poso, mientras que Drake, pese a su dominio comercial, lo tendría complicado en un enfrentamiento puramente rapero. Nada especialmente sorprendente para cualquiera que haya seguido el género más allá de las listas de éxitos, aunque siempre resulta entretenido ver cómo el hip hop convierte discusiones casi académicas en espectáculo global.

Lejos de grandes producciones, artificios digitales o discursos grandilocuentes, “Próximos a despertar” se presenta como ese disco que parece grabado más por necesidad vital que por estrategia artística. El nuevo trabajo de Burgim, alias del cacereño Alfonso Búrdalo, apuesta por la crudeza absoluta: siete canciones registradas en primeras tomas, solo con voz y guitarra, directamente en el móvil y sin red de seguridad. Nacido durante un paréntesis de su banda Fônal, el álbum funciona como un cuaderno íntimo donde caben el paso del tiempo, la memoria y los errores de juventud observados sin dramatismo ni maquillaje. Aquí no hay producción que oculte dudas ni imperfecciones; al contrario, se celebran. Un disco que no busca despertar a nadie a gritos, pero sí recordarnos que, a veces, lo más honesto es dejar el micrófono encendido y no corregir demasiado.

Desde algún lugar donde la tradición no se conserva en formol sino que se agita hasta entrar en trance, llega “Augha desa fonte”, un single que suena a ritual nocturno más que a canción al uso. Antía Muíño se alía aquí con Lilaina –pandereteiras y cantareiras habituales del universo Baiuca– para construir una pieza que camina entre el after-folk y el trance ancestral, con pulsión casi punk y una intensidad que no pide permiso. La canción funciona como segundo adelanto de su próximo disco y confirma que la artista gallega sigue empeñada en mirar a la raíz sin quedarse atrapada en la postal: tradición, sí, pero con los pies bien hundidos en el presente y la mirada ligeramente desafiante.

Y para cerrar el año, nada como remezclarse a una misma hasta perder (un poco) la identidad por el camino. mariagrep despide su última etapa con “⚘✯¸.•´*¨`*• mariagrep is not a crime (slowed + reverb) ⚘✯¸.•´*¨`*•”, un curioso ejercicio de versiones de sí misma que retuerce, ralentiza y acelera sus propias canciones hasta llevarlas al territorio del nightcore, la dark wave, el post-punk, el dub o el hyperpop. El disco, que se publicará el viernes 19 de diciembre, cuenta además con producción adicional de Diosito, vocalista de La Élite, por si hacía falta un poco más de caos controlado. Un epílogo extraño y coherente a la vez: no tanto un cierre como una manera elegante de decir “hasta aquí”… antes de volver a romperlo todo.

Hay canciones que parecen escritas para una ciudad concreta, aunque nadie sepa situarla en el mapa, y “La ciudad del frío” es una de ellas. En este nuevo single, Elena Carat baja un poco las revoluciones respecto a “El nudo”, pero no renuncia ni a la electricidad ni a la herida abierta. Entre ecos que van de Jeanette a PJ Harvey, de Cat Power a Cecilia, y con un pie tanto en Sonic Youth como en José Luis Perales, el tema confirma que su esperado nuevo disco sigue tomando forma sin concesiones. Un medio tiempo tenso, atmosférico y visceral, de esos que no buscan el estribillo fácil sino dejar poso; aunque no sea precisamente un lugar cálido donde quedarse a vivir.

Después de cruzar medio mundo, abrir conciertos para Cracker y acumular elogios, el viaje ahora es hacia dentro –y hacia atrás– con “Bring Me Back”, el segundo adelanto de “Past Lives In California”, el próximo álbum de Juana Everett que verá la luz a comienzos de 2026. Grabada en Nashville con un equipo que parece sacado de una enciclopedia del americana (Alex Muñoz a la producción, Joe Pisapia a la mezcla y Dave McNair al máster), la canción es una postal melancólica que idealiza una infancia sencilla, cuando la felicidad cabía en una bicicleta, una brisa de primavera y la sonrisa materna. Everett canta desde la distancia –geográfica y vital– con una nostalgia deliberadamente dulce, de esas que no dramatizan pero sí aprietan un poco el pecho, y convierte el recuerdo en refugio emocional sin caer en el exceso

Desde Galicia y sin pedir permiso, Rebeliom do Inframundo anuncian nueva etapa con “Sube”, el primer single de un álbum que también verá la luz a comienzos de 2026 y que confirma que la banda sigue haciendo exactamente lo que siempre ha hecho: decir lo que otros prefieren callar, pero con ritmo, volumen y convicción. El tema, ya disponible en plataformas, es una crítica social directa contra un capitalismo que asfixia y excluye, envuelta en una mezcla de rap hardcore, electrónica y raíz gallega que ya es marca de la casa. Tras más de una década construyendo su camino desde locales de ensayo y escenarios sin alfombra roja, y después de llenar salas como la Capitol de Santiago con 800 personas coreando cada verso, el grupo llega a este nuevo ciclo en su mejor momento, respaldado por una comunidad que entiende la música como trinchera y celebración a partes iguales. No siguen modas ni necesitan grandes campañas: su discurso corre de boca en boca, como todo lo que nace de lo real… y suele hacer más ruido que cualquier tendencia pasajera.