Cassandra Wilson: la voz que sonaba como el sur

Ahora que la versatilidad es un valor al alza en el territorio jazzístico, la figura de Cassandra Wilson (1955-2026) gana enteros como figura comprometida con la pluralidad y la apertura en un entorno siempre apremiado por el nocivo purismo. La cantante y compositora de Jackson, Misisipi, falleció a los 70 años en su casa de su ciudad natal el pasado martes 1 de septiembre por causas no reveladas, cerrando una de las trayectorias más singulares y aplaudidas del jazz vocal de las últimas cuatro décadas, a la que le no faltaron reconocimientos: además de ganar dos premios Grammy al mejor álbum de jazz vocal –en 1997 por “New Moon Daughter” (Blue Note, 1995) y en 2009 por “Loverly” (Blue Note, 2009)–, también fue nombrada en 2001 la mejor cantante de Estados Unidos por la revista ‘Time’ y se llevó el galardón a la mejor vocalista femenina de jazz del año de la revista ‘DownBeat’ en varias ocasiones. El premio Miles Davis del Festival Internacional de Jazz de Montreal en 1999 y una terna de doctorados honoris causa completan su cuadro de reconocimientos. “Su voz sonaba como el sur”, comentó al conocer su muerte el músico de Luisiana Jon Batiste, también ganador del Grammy, quien trabajó con Wilson en sus comienzos: “Tenía un tono vocal inconfundible, un fraseo particular y una forma de entrelazar música folclórica, R&B y de la diáspora con géneros experimentales y populares que tuvo un gran impacto en mí”.

Como en otros muchos casos, la familia fue la impulsora de su vocación musical. Hija del guitarrista y bajista Herman B. Fowlkes y de la maestra Mary McDaniel, una apasionada del sello Motown, Cassandra Fowlkes inició su formación en la infancia, tomando clases y sumergiéndose en la colección de discos de jazz y soul de sus padres. Comenzó a tocar el piano a los 6 años, la guitarra a los 12 y estudió también Artes Escénicas, Filosofía y Comunicación para unirse después a bandas locales y casarse en 1981 con Anthony Wilson, un locutor de radio de Nueva Orleans. Gracias a él encontró trabajo en la estación de televisión local donde buscó la tutela de músicos de jazz como Ellis Marsalis, Jr.

Un año después se trasladó a Nueva York y allí conectó con el colectivo M-Base liderado por el saxofonista Steve Coleman: el grupo defendía una heterodoxa filosofía sustentada en la conexión de groove e improvisación, adscrita a la raíz africana y afrocubana, funk, R&B o hip hop. Este abierto rumbo y su proceso de búsqueda quedó verificado en los discos de Coleman donde Wilson figuró como componente de sus Five Elements, en sus giras y grabaciones junto al trío New Air del gran Henry Threadgill y en algunos de sus iniciales e irregulares trabajos ya en solitario para el sello alemán JMT. Entre ellos, su más inspirado punto de partida quedaría ligado a los estándares con el álbum “Blue Skies” (JMT, 1988). Un patrón que más tarde quedaría resumido en la compilación “Sings Standards” (Verve, 2002), conteniendo registros grabados para la marca germana entre 1986 y 1992. El estilo de Wilson ya se mostraba entonces poroso y abierto, canalizando su templada voz hacia terrenos donde se expandía su particular tono y fraseo, de limitado rango y cierta uniformidad, con la herencia del Delta del Misisipi y el influjo de la gran Betty Carter (1929-1998) casi siempre presente.

En 1993, el sello Blue Note puso sus ojos en ella. Su entonces presidente, Bruce Lundvall, la convenció para que abandonara los derroteros electrónicos del insulso “Jumpworld” (JMT, 1990) y abrazara un entorno íntimo y orgánico en el que su voz creciera más y mejor. Dicho y hecho: con la legendaria etiqueta Cassandra alcanzaría algunas de sus mayores cotas creativas y sin duda comerciales, de la mano de álbumes como “Blue Light 'Til Dawn” (Blue Note, 1993) o el ya citado “New Moon Daughter”. Discos que destaparon definitivamente su exitosa apuesta al emulsionar desde un prisma personal canciones y géneros, desde el blues hasta la música latina pasando por pop, folk o country, sin excesivos riesgos aunque esquivando por lo general el siempre amenazante manierismo y la futilidad de ciertos trabajos precedentes.

Espíritu y filosofía de Miles Davis (1926-1991) fueron una de sus primordiales influencias y así lo reconoció en “Traveling Miles” (Blue Note, 1999). Tres años después, en “Belly Of The Sun” (2002), abrazó sin complejos aunque no siempre con acierto otro tipo de estándares, suscritos por Jimmy Webb, Glenn Campbell, Bob Dylan, The Band o Antonio Carlos Jobim, en la enésima muestra de un eclecticismo que saltaba de Ann Peebles a U2 pasando por Sting o Neil Young. Su sello vio el filón y no dudó en publicar años más tarde una compilación titulada “Closer To You: The Pop Side” (Blue Note, 2009), agrupando once de estas privativas lecturas.