La semana vista por…

Es lunes y no vivimos en Bristol. Al menos, no quien esto firma. El jueves pasado en Bristol se despertaron con vallas publicitarias del símbolo archiconocido de Aphex Twin, aka, medidas de ocho metros de longitud por tres metros de altura, anunciando que volvía a tocar en la ciudad después de diecisiete años. No estaría mal conducir hacia el trabajo hoy y ver esa A amorfa, líquida, diseñada en 1992 por Paul Nicholson, en alguna de las descomunales vallas que se ven desde la A-5, al sur de Madrid, a la altura de Campamento. En Barcelona tienen el consuelo de que, si no el símbolo, al menos el nombre a buen tamaño decorará la cartelería dedicada al trigésimo aniversario del Sónar, que tiene al DJ y productor de 51 años como cabeza de cartel.

En su lugar, la banda sonora del trayecto de hoy en coche –que, por otro lado, casa mejor que el IDM con el entorno de extrarradio– tiene como protagonistas a dos nombres de la cultura hip hop underground, Nasta y Gloosito, que han sacado canción conjunta made in Madrid, “Las calles están en mí”, aunando dos visiones diferentes a la hora de entender el género en nuestro idioma y con una letra potente sin desperdicio. “En Madrid más hambre que en Ruanda / Más arte que en la Alhambra / Si no hay, sabemos lo que hacer / Pisos caros, suburbios enmascarados”, cantan. Mucha calidad en el micro con un veterano y el de Villalba que no deja de crecer a cada tema. Y qué alegría el regreso de Nasta. Ponme alto, que suele decir Gloosito en sus conciertos.

Tan alto como “Todo a la vez en todas partes” (Dan Kwan y Daniel Scheinert, 2022), la gran triunfadora en la nonagésimo quinta edición de los Óscar que se ha celebrado esta madrugada en Los Ángeles. La cinta no solo se ha llevado el galardón a mejor película, también ha acaparado premios principales a la mejor dirección, actriz principal para Michelle Yeoh, actriz de reparto para Jamie Lee Curtis, actor de reparto para Ke Huy Quan, montaje y guion original. Solo Brendan Fraser ha conseguido hacerse hueco en el palmarés de premios principales gracias a su trabajo como protagonista en “La ballena” (Darren Aronofsky, 2022), que le ha valido el premio a mejor actor principal. La producción alemana “Sin novedad en el frente” (Edward Berger, 2022) ha sido premiada como mejor película internacional, así como en las categorías de banda sonora, fotografía y diseño de producción. Entre los que optaban a varios premios pero finalmente no lograron ninguno, destaca Steven Spielberg, que se ha ido de vacío con “Los Fabelman” (2022)

Y mientras lees esto, Lonnie Holley, a sus 73 años, está preparando junto a su banda la presentación en directo de “Oh Me Oh My” (2023), álbum que publicó el pasado viernes. Tocará a finales de esta semana en Londres con dos fechas; la segunda, el sábado 18, en el Café Oto a las dos de la tarde, un venue donde cualquier bolo de música digamos que rara o, mejor dicho, avant-garde, o, seamos más precisos, improvisada, se saborea mejor. Si no conoces a Holley, hace blues… sí, raro y hermoso. Y también es el autor de “MITH” (2018), uno de los mejores álbumes de la década pasada para ‘The New Yorker’. O, por supuesto, el “Broken Mirror. A Selfie Reflection” que hizo con Matthew E. White en 2021. En estas nuevas canciones ha contado con las colaboraciones de Michael Stipe, Moor Mother, Sharon Van Etten y Bon Iver. Escucha obligada.

Hablando de décadas, ¿sabes que ya han pasado DOS desde que The White Stripes publicaron “Elephant”? Lanzado el 1 de abril de 2003 y grabado en Londres, incluye “Seven Nation Army”, una de las canciones arquetípicas del rock dosmilero. Para celebrar este aniversario, habrá una reedición limitada de doble vinilo el próximo 21 de abril a través de Sony y Third Man Records. Recuerda (o descubre) que se trata de un disco que el dúo de Detroit grabó utilizando una máquina de cinta de ocho pistas y un equipo de grabación anterior a 1963. Sin ordenadores.

Seguimos con canciones arquetípicas, pero esta vez nacionales. Elegir una de la segunda generación del indie rock español, es decir, de la hornada de grupos que aparecieron recogiendo el testigo de Penelope Trip, Los Planetas, El Inquilino Comunista, por mencionar tres de tres ciudades-escenas diferentes, es fácil y difícil a la vez. Son demasiadas. Y hay demasiadas que suenan parecidas. Quince años después de publicarse, “A propósito de Garfunkel” (2008), el primer álbum de The New Raemon, mantiene sin embargo su personalidad. E incluye “La cafetera”, una canción en apariencia sencilla donde Ramón Rodríguez supo reinventar el sonido épico de Madee, su banda anterior, transformando una energía densa en algo acústico y cercano y haciendo que su nuevo proyecto se convirtiera de hecho en ídem de vida musical, y consiguiendo, sin querer, eso que muchos persiguen pretendidamente: sumar a sus fieles otro nuevos sin traicionar a nadie por el camino. Por eso, probablemente, estará para muchos en la lista de candidatas de esa posible encuesta-batalla por el ¿debate? con el que arrancaba este párrafo. El tema en cuestión tiene más de millón y medio de escuchas en Spotify. Y después de más de una década descatalogado, el sello BCore lanzará en abril una reedición en vinilo del disco con un tema inédito descartado de la misma época. Por supuesto, habrá un par de conciertos de celebración ese mismo mes, en Barcelona (21) y Madrid (23).

Leíamos el fin de semana en ‘Vice’ que se están empezando a poner de moda las fiestas nocturnas con restricción de edad. Que las generaciones no quieren mezclarse. La otra noche, viendo al DJ y productor británico Forest Drive West de madrugada en un local de un polígono industrial de la capital, el ambiente era interesante porque había gente de edades diversas. Salir a bailar no debería tener que ver con la edad, en cierto sentido tiene que ver con una postura estética. Al salir, con el sol asomando, las conversaciones en los corrillos iban sobre los festivales de verano a los que hay que ir si te apetece descubrir música nueva, si te va cierta experimentación a la hora de escuchar electrónica. Los pequeños como Paral·lel en los Pirineos o el portugués titulado como una peli de Richard Linklater, Waking Life, ganan adeptos. Fuera, un conocido se va a atrever a formar parte del público del estreno de NTS One Day en mayo “porque NECESITO ver a Theo Parrish”; aunque por ahora, si te va lo experimental, el italiano Terraforma se muestra imbatible con Dawuna (el nuevo Burial), Josey Rebelle, Batu y Beatrice Dillon.

El miércoles más, con las novedades del drill UK, la fascinante figura de la norteamericana Ana Roxanne, que actúa esta semana, y algo sobre el productor Vegyn. Y con la excusa de estos tres temas, hablaré de Futuromanía, concepto con el que deberían haber titulado “Gritos de Neón. Cómo el drill, el trap y el bashment hicieron que la música sea novedosa otra vez” (2022), de Kit Mackintosh, y del potencial mejor capítulo del libro, una página y media donde explica cómo la nueva música simula el futuro. Feliz arranque de semana.