La semana vista por…

Ayer trascendió el fallecimiento, el pasado día 22, de Chuck Mangione (1940-2025) a los 84 años. El músico estadounidense, consumado especialista del fiscorno y también trompetista, fue miembro de los New Jazz Messengers del titán Art Blakey a mediados de los sesenta, con quien grabó álbumes como “Buttercorn Lady” (1966) y “Hold On, I’m Coming” (1966). Antes había liderado junto a su hermano Gap el ensemble The Mangione Brothers Sextet, que dejó el registro “The Jazz Brothers” (1960) en el que se incluía una composición suya, “Something Different”, que fue grabada al año siguiente por Cannonball Adderley. Pero su despegue definitivo de popularidad se produjo en los setenta, cuando trascendió la escena jazzística para instalarse en la corriente principal como abanderado del smooth jazz. Composiciones como “Bellavia”, con la que ganó su primer Grammy en 1977, o “Feels So Good”, que escaló hasta el top 4 en la lista de éxitos estadounidense, lo convirtieron en estrella del pop adulto y allanaron el camino del éxito a álbumes posteriores como “The Children Of Sanchez” (1978; banda sonora de la película del mismo título dirigida por Hall Bartlett) o “Fun And Games” (1979). Ambos trabajos despacharon medio millón de copias en los Estados Unidos. Retirado durante algunos años desde finales de los ochenta, retomó la actividad a mediados de la década siguiente para trabajar sobre todo en directo, pero se mostró reticente a grabar música que no le entusiasmara de verdad. Durante los últimos quince años, asentado en la ciudad neoyorquina de Rochester, donde nació, se dedicó a la docencia en Eastman, la escuela universitaria de música de la que fue alumno al terminar la secundaria.

La reconocida DJ y productora Amelie Lens protagonizará la primera gran fiesta electrónica organizada por Primavera Sound para potenciar las salas y la cultura club en Barcelona. Será en la nave industrial laMercedes el 21 de septiembre, dando comienzo a una nueva etapa en la que el sello Primavera Tours quiere recuperar la esencia de la electrónica underground con propuestas sólidas y un público joven y comprometido. Este evento no solo pone en valor la figura de Amelie Lens, una de las artistas más respetadas en la escena techno mundial, sino que simboliza el esfuerzo por revitalizar espacios de música en directo que se han visto afectados durante años, impulsando un modelo sostenible y cercano a las comunidades.

En Bilbao, el Museo Guggenheim continuará este otoño con su ciclo Art & Music, que une arquitectura, arte contemporáneo y música en vivo. Artistas como Mezerg, la cantante vasca Idoia y Marc Scibilia prsentarán sus propuestas en tres conciertos únicos en los espacios más icónicos del museo, demostrando que el arte también se puede escuchar y sentir en directo. Este ciclo se convierte en una ventana para que los visitantes experimenten la fusión entre disciplinas artísticas, donde la música no es solo un acompañamiento sino parte integral del diálogo con la arquitectura y las exposiciones, haciendo de cada concierto una experiencia multisensorial. Y durante el verano, Art & Music está proponiendo una serie de conciertos de jazz que el 30 de julio estará protagonizado por Dani Artetxe Quartet y que en agosto convocará sobre el escenario a Organ Freeman (6), Nicolás Alvear Quartet (13) y Marta Marín Quartet (20).

La dupla electrónica británica Bicep forma parte –junto al artista Zak Norman y el realizador Charlie Miller– del proyecto audiovisual “TAKKUUK” que une sus paisajes sonoros con la cultura indígena del Ártico. En colaboración con la organización Earthsonic y con comunidades de Groenlandia, Canadá y Laponia, los norirlandeses mezclan electrónica ambiental con relatos ancestrales para crear una experiencia que reivindica la resistencia cultural y la conexión con el entorno natural a través de la música. Esta iniciativa solidaria –estrenada en el Outernet londinense y que se instalará en otros espacios culturales del planeta– muestra un compromiso social y cultural profundo, donde la música sirve para amplificar voces que habitualmente quedan al margen, generando un puente entre modernidad y tradición, y una llamada urgente a cuidar y respetar los territorios y culturas originarias. Además, hoy se ha publicado la banda sonora original de la instalación.

Madrid se despide de uno de sus templos del jazz más emblemáticos: el Café Central cerrará sus puertas el 12 de octubre tras 43 años de actividad. Este club –que ha programado casi 15.000 conciertos– ha sido hogar de grandes músicos nacionales e internacionales, y su cierre marca el fin de una era para el jazz en España, dejando una huella imborrable en la historia musical de la capital. Además, su legado va más allá de la música: el Café Central fue un espacio de encuentro cultural, un refugio para generaciones de amantes del jazz y un punto clave para la formación de músicos, reafirmando la importancia de preservar estos espacios en la vida urbana contemporánea. En Change se ha activado esta recogida de firmas exigiendo la paralización del cierre de tan emblemático espacio.

En el ámbito de la música urbana, Rojuu presenta en directo su mixtape “iNUiNUiNU”, un trabajo que combina Auto-Tune, emocore y glitchcore para expresar una generación que se comunica entre lo íntimo y lo digital. La gira empieza el 8 de diciembre en Madrid, continúa el 9 de enero en Bilbao, pasará el 7 de febrero por Sevilla y por Valencia el 13 de marzo. Rojuu sigue definiendo su espacio en el pop contemporáneo con letras crudas y sonidos experimentales. Se ha convertido en una voz auténtica para la juventud, utilizando su música para explorar temas como la ansiedad, la identidad y la vulnerabilidad, en un momento donde la innovación sonora y la expresión personal van de la mano.

El productor británico Daniel Avery prepara el lanzamiento de “Tremor”, disco que se publicará el 31 de octubre y que fusiona techno, shoegaze y ambient. Colaboraciones con artistas como Cecile Believe en el avance recién estrenado “Rapture In Blue”, Alison Mosshart (The Kills), Walter Schreifels (líder de Quicksand), Yeule, bdrmm o yuné pinku confirman que el álbum busca expandir los límites del rave interior, con texturas emocionales que van más allá del baile para adentrarse en el terreno de la introspección sonora. Avery se consolida así como uno de los grandes innovadores de la electrónica actual, capaz de transformar el ruido y el ritmo en paisajes sonoros profundos que conectan con un público tanto de clubs como de escucha atenta.

En el terreno folk, el escocés James Yorkston publicará el 22 de “Songs For Nina And Johanna”, nuevo disco en colaboración con The Second Hand Orchestra tras el delicioso “The Great White Sea Eagle” (2023) en el que vuelve a trabajar con la cantante Nina Persson –jefa de The Cardigans– y al que en esta ocasión se suma también la voz de Johanna Söderberg, de First Aid Kit. El álbum promete un viaje acústico lleno de delicadeza y sensibilidad, donde la belleza de las voces se funde con letras que parecen susurrar al oyente desde la distancia. Su propuesta mantiene viva la tradición folk contemporánea con arreglos cuidados y una atmósfera introspectiva, perfecta para esos momentos de pausa donde la música se convierte en refugio y diálogo íntimo. “Oh Light, Oh Light”, junto a Söderberg, es el tercer adelanto del disco tras “Love / Luck” (también con Söderberg) y “A Moment Longer” (con Persson).

Desde Estados Unidos, Case Oats ofrece folk-pop que combina la ironía y la melancolía urbana en su nuevo single “Nora”, adelanto del disco “Last Missouri Exit” que saldrá el 22 de agosto. Su sonido recuerda a un country contemporáneo con guiños a Nilsson, mezclando narrativa detallada y melodías cuidadas que funcionan como pequeñas historias de vida. La habilidad de Case Oats para capturar lo cotidiano con humor y sensibilidad le ha granjeado un público fiel que espera con ganas el lanzamiento completo, que seguro ampliará su reconocimiento en la escena independiente.

El Festigàbal 2025 vuelve el 15 y 16 de agosto en los Jardins de la Sedeta, en el marco de las fiestas de Gràcia, en Barcelona, para celebrar 20 años impulsando la música emergente y local. Con entrada libre, el festival contará con actuaciones de Lima Negra, Me And The Bees, Killin’ Cactuz, Ciutat, Hadren, Maig, Casero o CORTE!, y sesiones de Ryna DJ y DJ Coco, consolidando su compromiso con la cultura de barrio y la música independiente. Este aniversario es también una oportunidad para recordar cómo el Festigàbal ha sido un trampolín para muchos artistas que hoy son referentes, y una cita ineludible para quienes creen en la fuerza transformadora de la cultura popular.

En otro registro, Biffy Clyro confirma conciertos para febrero en Valencia (3) y Madrid (4). Dos citas que conectan la memoria colectiva de sus seguidores con la energía renovada de una de las bandas más emblemáticas del rock británico contemporáneo. Tras varios años de evolución, su regreso en vivo será una celebración de su catálogo y un rencuentro con el público, consolidando su posición como uno de los grupos más influyentes y respetados de la escena alternativa contemporánea.

Desde Canadá, TOPS presentan su nuevo single “Annihilation”, adelanto de su álbum “Bury The Key”, que llegará el 22 de agosto. Pop melancólico y afilado, con la voz de Jane Penny explorando temas como la desaparición y la catarsis, en un disco que apuesta por la belleza en el detalle más que por la crudeza, consolidando a TOPS como referentes del pop con alma. La delicadeza y profundidad de este nuevo material refleja una madurez artística que no renuncia a la elegancia, situándolos nuevamente en la vanguardia del pop canadiense con una propuesta que invita a la reflexión y el disfrute sensorial.

La semana deja claro que, aunque algunos espacios míticos bajen el telón, como el Café Central de Madrid, la música sigue encontrando formas de resistir, transformarse y renacer. Desde la electrónica comprometida de Amelie Lens hasta los matices folk de Yorkston, pasando por la emoción digital de Rojuu o la elegancia pop de TOPS, la escena vibra en muchos frentes. Proyectos que apuestan por la cercanía, la sostenibilidad y la conexión emocional con el público marcan un camino posible en tiempos de incertidumbre. La cultura no se detiene: muta, se adapta y sigue sonando. Solo hace falta estar atentos para escuchar dónde late con más fuerza.