2025/ Clips nacionales

Edward Hopper se encuentra con Spike Lee en esta oda visual (y sonora) a la cultura rap, al buen gusto y a los coleccionistas de Gore-Tex en la que David Heofs y la peña de Bandiz recorren junto a Dano (enfundado en outfit icónico tras outfit icónico, de Polo a The North Face, y con referencia incluida a aquel legendario reportaje de portada de Nancy Jo Sales para el ‘The New York Magazine’, “Prep School Gangsters”, que de fondo reflexionaba sobre la adopción de las estéticas del gueto por parte de los niños ricos) los espacios clave de la ciudad de Madrid en los que el rapero ha desarrollado su fundamental trayectoria. Clase. Diego Rubio

Último ídolo de moda entre los veinteañeros, Barry B volvía este año con “INFANCIA MAL CALIBRADA” después de un fructífero debut en 2024. La canción que da nombre al EP profundiza en su imaginario de juventud autodestructiva y nostalgia torcida: dirigido por Jean Lafleur, el clip sigue a un niño que encuentra en Barry su cuestionable modelo a seguir. Con su habitual estética de luces frías y gafas opacas, el artista se proclama como (mal) ejemplo de una juventud que busca referentes sin pausa e identidad incluso en el trauma compartido, bajo un manto de guitarras britpop y pulsión pop con un lirismo visceral. Verdades como puños para la generación Z. Marta España

En “Me vas a matar”, Teo Planell da un salto visual tan coherente como ambicioso. Dirigido con pulso casi cinematográfico, el vídeo lo muestra danzando en un palacio barroco, exorcizando la memoria de un amor que lo acecha entre espejos y cortinas doradas. La cámara se mueve con la misma delicadeza con la que Teo compone: un vaivén entre vulnerabilidad y contención. La figura femenina apenas visible simboliza el deseo y el dolor, el “me vas a matar” no como amenaza, sino como rendición emocional. A sus 21 años, Planell confirma una sensibilidad que desarma y una identidad sonora en plena madurez: su pop espiritual alcanza una nueva dimensión de belleza herida. Álvaro García Montoliu

El dúo de creadores Torso ha animado los objetos de una lujosa mansión al compás de la sensualidad de Bad Gyal. El regreso en solitario de la catalana tras su álbum oficial de debut “La joia” (2024) y una serie de sus acostumbradas colaboraciones añade glamur a su carácter provocativo. El reguetón se fusiona con la bachata en “Da Me” desplegando el lado acrobático de la cantante mientras cortinas y paredes la palpan, exprimidores y botellas chorrean y los cortocircuitos se suceden sin que haya nada que se resista a las confesiones explícitas. Sí, es la Bad Gyal de siempre, pero con más fantasía. Y reivindicando una vez más su voluntad de mostrarse como le venga en gana. Carlos Marlasca

La pareja artística que conforman Amaia y Daniel Dalfó aka Daniel 2000 –que ya dejó resultados positivos en el clip de “Tocotó”–, con el refuerzo aquí de Cesar Rodrez, sigue ahondando en esa imaginería posdigital que Amaia asimiló como discurso estético para su última aventura discográfica. La pieza arranca con una Amaia caída del cielo con un vestuario de la música tradicional vasca en un paraje verdoso e irreal que emula la sierra de Aralar. Sin embargo, el elemento disruptivo, más allá de esa estética digital alucinada, se hace visible con la clonación de la cantante en numerosas réplicas. Como un Valhala de croma en que la artista vive su particular liturgia folclórica. Un imaginario en el que parece converger “El ataque de la mujer de 50 pies” (Nathan H. Juran, 1958), el clip de “The Hardest Button To Button” de The White Stripes dirigido por Michel Gondry, la Björk poshumana y los juegos RTS (real-time strategy). Marc Muñoz

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Paula Ribó nunca ha escondido esa aspiradora de referencialidad pop con la que construye su propio discurso artístico. Una estrategia que también aplica en la parcela visual y cada vez más. Lo demuestra con Celia Giraldo como partenaire en la realización para entregar un acople visual a “Busco un centro de gravedad permanente” (de “Jesucrista Superstar”, 2025). Empieza con la artista metiendo un cadáver en el maletero de un coche vintage estadounidense. No tarda en reconducirlo hacia ese hastío existencial que alude en la letra. Luego irrumpen bailarines de vestimenta Freixenet en un enorme hangar tipo “This Is America”. Entre noir, humor y referencias pop, Bandini expande su centro de gravedad. Marc Muñoz

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El trabajo orquestado por Serafina Ventura, con Fèlix Armengol como director de fotografía, parte de una premisa planteada por la artista bilbaína radicada en Barcelona: “Que todas podemos estar en el lugar de la otra en algún momento de la vida”. A partir del reflejo de esa idea contenida en el tema “Amak dio”, y desde una “libertad creativa total”, el clip toma la fisonomía de un corto de noble factura, latir poético y una secuenciación en tres partes que atraviesa los dos temas elegidos del disco. Como si los universos de Aki Kaurismäki, Jim Jarmusch, el Anders Petersen de “Cafe Lehmitz” (1978) e incluso algún personaje que podría haberse retratado en el Raval de hace unos años colisionaran en su interior. Marc Muñoz

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La tercera asociación entre el director Nicolás Méndez y Rosalía hasta la fecha se salda con una pieza con mucha carga simbólica y ese revestimiento religioso que ya adelantaba cuando filtró la portada del nuevo disco. Alrededor de la premisa de un corazón roto o enfermo y su liberación y recomposición a través de lo espiritual. Día y noche, luminosidad y oscuridad, amor y desamor, sueños prefabricados y realidades pesadillescas, fe y descreimiento, sagrado y profano parecen ser algunas de las contraposiciones que alimentan este tema y su correlato audiovisual. A todas luces, un potente trabajo que predispone a abrazar la nueva fe de una artista total. Entrada directa al cielo, sin criba que la intimide. Marc Muñoz

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La juventud como ese período de fuerza suprema. Ahí parece poner su eje este trabajo de Bel. A sus 27 años, Guitarricadelafuente vuelca su corazón acelerado en este tema de agarre inmediato. Una propulsión que adquiere curva exponencial con el riego de imágenes añadidas. El centro de las mismas son jóvenes en su cisma vital. Cuerpos perfectos exponiendo su vitalidad inquebrantable a lomos de caballos, motocicletas o camionetas en parajes rurales bucólicos. A medio camino entre anuncio de Calvin Klein, un clip de The Blaze y las imágenes del fotógrafo Bruce Davidson en su serie “Brooklyn Gang” (1959). Ese enjambre de hormonas se abre a las feromonas y, a través de un montaje cada vez más picado, el clip desprende ese calor sexual que expone sutilmente la letra. Bel liga todo ese orgullo juvenil con un formato de vídeo, la técnica de la cámara lenta, planos detalles que realzan el deseo y la exudación sexual de esos cuerpos juveniles, VFX que aportan el extrañamiento propio de la Inteligencia Artificial, y un montaje acelerado al compás del ritmo de la canción. Juventud, dorada juventud. Marc Muñoz

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Desde ese plano inicial en blanco y negro que muestra a Álvaro Lafuente azotando un látigo a cámara lenta queda claro que, más que epatar, la intención de Albert Moya es lograr hundir estas imágenes de una belleza plástica innegociable en la memoria con la misma impronta y la misma pasión que Lafuente imprime en esas letras arrebatadoras tan hermosas y tan suyas. Hay cuero, sogas, sillas de montar, neumáticos, lucha libre y músculos, sobre todo muchos músculos. Moya se entrega a una celebración de la erótica gay y del cuerpo masculino –normativo, esbelto, insultantemente joven y forjado en incontables horas de gimnasio, eso sí– que se recrea en el apogeo del deseo y el placer para rozar una verdad más profunda con la punta de los dedos.

El desfile de bíceps, abdominales y pectorales no es gratuito, sino una declaración de intenciones honesta que hace de contrapeso a una canción que en realidad habla de “un amor de posmodernidad” y cuya cima está en la más poderosa de estas metáforas visuales: el cuerpo desnudo de un chico bocabajo, arrastrándose en el mar de barro que anega una inmensa estancia blanca. Juan Monge