2025/ Reediciones

Poco jaleado por la crítica en su día, “Perfect Teeth” (1993) era una disfrutable síntesis de los más diversos impulsos del trío, que se divirtió basculando entre el indie pop solo en apariencia terso (“Angel I’ll Walk You Home”, un poco Young Marble Giants) y los arrebatos college rock (“Cath Carroll”); entre el jangle nervioso (“So Sick”, “Light Command”) y los guiños a la vertiente más esotérica de 4AD (“Breather X.O.X.O.”, de cadencia vocal muy Red House Painters), o entre el puro experimento (“Food And Drink Synthesizer”) y el pop con potencial de seducción casi masiva (“Make Out Club”). Juan Manuel Freire

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La mallorquina ha decidido conmemorar el cincuentenario de su histórica actuación reeditando aquel trabajo, completamente restaurado, ya que ha sido revisado, reordenado y remasterizado por Mateu Picornell, con el añadido de tres canciones. El nuevo “A l’Olympia” (1975) refleja el excelente momento interpretativo de una Maria del Mar que aquel día cumplía 28 años y ya se manifestaba como una artista plenamente consolidada. A lo largo del disco la Bonet canta con una voz pletórica, clara, fresca y diáfana, a pesar de que probablemente todavía no había culminado su formación como vocalista. Ferran Riera

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Algunas muestras de su repertorio plural. La productiva simbiosis entre una mesurada sección de cuerdas y el cajón del flamenco en “Cajón”. La palabra “tú” repetida como un mantra metronómico sobre guitarras noise y percusiones en progresión en “Tus”. Las mismas guitarras, ahora más disonantes, cubriendo todos los espacios posibles en “Dens, no dance”. El sonido de campo de voces festivas de “Ondoinyo Lengai”. El diálogo abrupto y algo zorniano entre el piano y las fuentes de sonido sampleadas en “Hora punta”. “Àlbum” (1998) es un disco con tantas caras musicales como rostros de Saura aparecen en su portada. Quim Casas

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“Desglaç” (2005) fue una pequeña bomba que sorprendió por su atrevimiento. Era una especie de desafío a los puristas de dos bandos opuestos; los que negaban la personalidad catalana del flamenco y los que negaban la personalidad flamenca del catalán. Veinte años después, el cantaor ha decidido reeditar este disco añadiendo una composición inédita: “Si el món fos”. Ilustres poetas como, entre otros, Jacint Verdaguer, Joan Margarit o Gabriel Ferrater rubrican los versos que interpreta Poveda. Musicalmente, es un trabajo que no se limita a llevar al terreno del flamenco la obra de unos cuantos escritores catalanes, ya que también incorpora elementos jazzísticos. Ferran Riera

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“Black Mahogani” (2004), concebido como una obra conceptual sobre el día a día de la comunidad negra de Detroit, quinto trabajo de Kenny Dixon Jr., tiene algo de voyerismo: el productor serpentea el barrio movido por un profundo pulso house y arrastrado por los samples de cuerdas, y espía las escenas y músicas cotidianas, jazz suave, soul, góspel, funk, R&B, películas, conversaciones, ruidos y vítores, clásicos sonando en la radio. Heredero de las técnicas sampledélicas, síntesis del groove house de Chicago y el sonido más techy de Detroit y punto de partida del deep jazz, aún hoy aguanta como una de las grandes cimas del deep house. Diego Rubio

Reedición de lujo “Qualsevol nit pot sortir el sol” (1975), la obra más señera de Sisa: vinilo transparente, réplica del libreto, pai pai con el careto del artista que circuló en su día y una bella foto firmada por él. Todo son palabras mayores. La canción de la que toma título el disco está inserta medio siglo después en el alma popular: lo mismo se canta en un bautizo que en un entierro. La reedición es una oportunidad para redescubrir otras piezas que no deberían quedar solapadas por “Qualsevol nit pot sortir el sol”: la volada metafísica de “El setè cel” o la divertidísima “El fill del mestre”. Donat Putx

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El segundo álbum de Bunyan, “Lookaftering” (2005), apareció durante el revival folk de Espers, Vetiver, Valerie Project, Fursaxa, Marissa Nadler, Joanna Newsom, Devendra Banhart y otros retoños del tildado freak folk. Las canciones de porcelana, realidad mágica y omnipresente naturaleza, con un punto inevitablemente psicodélico, que encarna el hada buena Bunyan es el precedente más claro de aquella marea renovadora de hace dos décadas. La reedición cuenta con ocho maquetas literalmente caseras, es decir, grabadas entre 2001 y 2005 en chez Bunyan, que además de tricotar, si acaso, también componía canciones destacables. José Manuel Caturla

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Brigitte Fontaine lo considera su primer álbum, una joya que mezcla chanson, pop orquestado y poesía experimental, en colaboración con el arreglista Jean-Claude Vannier, tres años antes del “Histoire de Melody Nelson” (1971) de Gainsbourg. La lujosa reedición de “Brigitte Fontaine est... folle" (1968)  incluye los once originales, con sonido restaurado, además de ocho maquetas que permiten comprobar que suena igual de bien, sino mejor, en formato crudo. Otro punto de vista lo añaden siete versiones instrumentales. En el doble vinilo Laetitia Sadier glosa a una artista que “habla de un mundo complejo y desequilibrado”. Ramon Súrio

Se podría decir que el espíritu comunitario del acid house tenía todo para desaparecer y que en 1994 la justicia inglesa solo se limitó a recoger lo que el mercado no había ya cooptado. Un año antes, como la crónica de un fin de fiesta anunciado, los Hartnoll ampliaban en su segundo disco (“Orbital 2”, 1993) el horizonte de la celebración mientras daban señales de esa madrugada que se acercaba inexorablemente (“HALCYON + ON + ON”). Junto a las rarezas y remixes de rigor (Underworld, Psychick Warriors Ov Gaia), la expansión deluxe del último guateque rave trae un directo en Nueva York. Jorge Acevedo

Los dos primeros álbumes de Julee Cruise (1956-2022), los que cimentaron su reputación como reverso musical de David Lynch, reaparecen en “Fall • Float • Love. Works 1989-1993” (1989-1993), doble CD cuidadosamente editado. Cruise se convirtió en el vehículo para hacer realidad los sueños sonoros de Lynch y de Angelo Badalamenti, el escudero musical del cineasta de Montana. Lynch & Badalamenti concibieron dos álbumes completos a mayor gloria de Cruise: “Floating Into The Night” (1989) y “The Voice Of Love” (1993), recogidos en su integridad –más bonus– en este “Fall • Float • Love”. Únicamente grabaría dos álbumes más, pero su esencia se derrama en esta dupla ahora felizmente recuperada. Juan Cervera

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“Quique (Redux)” (1993) es la reedición deluxe en vinilo del debut de Seefeel. Confesamente marcados por My Bloody Valentine, aunque en realidad tampoco tan similares a aquellos, Seefeel desdibujaron aquí los límites entre shoegaze y ambient techno a través de instrumentos convencionales (sobre todo, guitarras) transformados con pedales y la más sabia utilización del sampler o la caja de ritmos. Encontraron del modo más intuitivo un puñado de grandes composiciones esencialmente instrumentales, sin estructuras pop tradicionales, capaces de hipnotizar con sus pulsos cíclicos y alucinantes líneas de bajo dub. La inicial “Climactic Phase #3” demuestra lo mucho que se puede conseguir con solo encontrar y saber combinar un puñado de buenos loops. Juan Manuel Freire

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“More Songs About Buildings And Food” (1978) fue el segundo álbum del grupo y el primero de los coproducidos junto con Brian Eno. Además del original de 1978 remasterizado, incluye diez tomas alternativas –faltaría “Artists Only”– entre las que destacan las ya conocidas“Thank You For Sending Me An Angel” y la paradójicamente desprovista de aroma campestre “The Big Country”, o la inédita instrumental “Electricity”. Como gancho, además del libro de 60 páginas de fotos y notas, añaden un directo en el Entermedia Theater de Nueva York al mes de publicarse el disco y otro desde el Sproul Plaza de Berkeley en formato Blu-ray. Miguel Tébar A.

Tercera entrega de una memorable trilogía tenebrista que arrancó con “Time Fades Away” (1973) y continuó con esa rodaja de azabache titulada “On The Beach” (1974). “Tonight’s The Night” (1975) funde en negro la noche oscura de Neil Young, marcada por las muertes por sobredosis de Danny Whiten y Bruce Berry. “Una historia de muerte y droga”, en palabras de Young, grabada en 1973 en Hollywood y en el rancho Broken Arrow, más un tema en directo en el Fillmore East. Una fabulosa pieza funeraria regada con tequila José Cuervo, música cacofónica y versos sombríos, reeditada ahora con seis temas extras, uno de ellos, “Raised On Robbery”, con Joni Mitchell. Luis Lapuente

Fue el único álbum de Studio creado después de muchos años de cocción. Se caracteriza por la falta de encaje en un estilo concreto, aunque incorporara voces y suela asociarse a la electrónica de baile. “West Coast” (2006) transmite una desenvuelta libertad de formas que pivota alrededor de los instrumentos tradicionales de una banda de rock. Lo bueno de Studio es su apertura y liquidez, aparente indolencia y capacidad para la sorpresa a medida que ritmos, efectos y melodías surten la mezcla sin resultar de ello un muzak ecléctico infumable. Eso es magia. Lo más perdurable de la hazaña prácticamente privada de Studio se encuentra en piezas como “Out There”. José Manuel Caturla

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Hoy, con Aphex Twin ya convertido en una figura de culto casi mainstream y con Warp reeditando toda su discografía, incluso la más obtusa y oscura, y vendiendo ejemplares a raudales, escuchar “Surfing On Sine Waves” (1993) pasa casi por arqueología musical: su sonido “proto-”, muy definido por su contexto, como emitido por robots descatalogados y retirados de circulación, cedió rápidamente en su trabajo a una ingeniería de efectos mucho más hi-fi y a la deconstrucción expresionista si hablamos de su vertiente más dura, y del mismo modo a una faceta mucho más difusa y emocional en su vertiente ambient. Son temas en general oscuros, que parecen conducir siempre a un agujero negro, que dejan un vacío en el pecho. Diego Rubio

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A dos décadas largas de su publicación –el disco apareció el 22 de junio de 2004–, puede afirmarse con rotundidad que “A Ghost Is Born” es el álbum con el que Wilco alcanzó su mayor potencia creativa. Un trabajo en el que floreció lo tanteado anteriormente en “Yankee Hotel Foxtrot” (2002) y que aquí explosionó de manera extraordinaria. La ruptura no era radical –escuchen, por ejemplo “Muzzles Of Bees”, “Hummingbird” y “Company In My Back”–, pero sí lo suficientemente osada como para que muchos lo consideren todavía el álbum “experimental” del combo norteamericano. Fuera de Reprise y con Jay Bennett apartado, Tweedy se envalentonó para dirigir a Wilco hacia los horizontes de sus inquietudes. Juan Cervera

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Aunque en declaraciones a raíz de esta edición de “Carrie & Lowell” (2015) Sufjan Stevens reniegue del disco, es una de las cumbres creativas del firmante de “Illinois” (2005), el que muestra su cara más vulnerable e íntima, once canciones que parten de la muerte de la madre del autor y de su relación con su padrastro, el hombre que lo ayudó a fundar Asthmatic Kitty. Una obra que, a pesar de su proyección fúnebre, no se agota por muchas escuchas a las que uno se exponga. Pura ambrosía sonora capaz de derribar las barreras de las almas más curtidas. La edición de 10º aniversario desempolva docenas de imágenes del álbum fotográfico familiar, una verdadera cartografía de los entresijos de Carrie & Lowell. Juan Cervera

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“Horses” (1975) fundió como (casi) nunca se había hecho rock y poesía, casó a Rimbaud con Jim Morrison, a Burroughs con Jimi Hendrix, a Camus con Janis Joplin, a Verlaine con Brian Jones. Desde la icónica portada con la fotografía de Robert Mapplethorpe y ese inicio con el piano y la frase “Jesus died for somebody’s sins, but not mine”, todo en “Horses” es una liaison entre pasado y futuro, entre veneración por los ancestros y la necesidad de crear a borbotones sin ningún tipo de ataduras. Tras cuatro LPs que marcaron la década de los setenta, Smith hizo mutis por el foro hasta que reapareció en 1988. Desde entonces, la de Chicago ha puesto en práctica el evangelio que imprimió en los surcos de su LP de debut. Juan Cervera

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Y Bruce Springsteen hizo crac. Se rompió. Tras el tour de force del (doble) “The River” (1980), su quinto álbum en estudio, y la consiguiente gira, el llamado “futuro del rock’n’roll” no las tenía todas consigo, rodeado de dudas personales y de espinosos recuerdos pasados (su nada plácida relación con su padre). Y echó el freno. La industria quería (siempre quiere) más, aprovechar la euforia del disco previo y elevarlo definitivamente al podio de estrella mundial. Pero el de Nueva Jersey insistió en ralentizar la marcha, reflexionar y purgar los fantasmas que lo carcomían por dentro. El resultado, nada plácido, fue “Nebraska”, publicado el 30 de septiembre de 1982. Un álbum incómodo, sin florituras, descarnado, crudo. Las canciones, microrrelatos de asesinos, marginados y perdedores, dirigían su mirada al lado menos amable de Estados Unidos: un álbum de fotografías sonoras que se podrían acompañar con instantáneas de Walker Evans, Dorothea Lange, Robert Frank y Weegee. Springsteen se zambulló en estas vidas rotas, agrietadas y golpeadas y su identificación produce, sí, escalofríos. “Nebraska ‘82: Expanded Edition” se adentra en la génesis que llevó al álbum final. Juan Cervera

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En su momento, 1969, “Five Leaves Left” pasó sin pena ni gloria, un disco más en el fructífero jardín del folk británico de la época. El tiempo y las circunstancias (recordemos que Nick Drake falleció en 1974 con tan solo 26 años) lo han coronado como uno de los grandes álbumes de esa década y uno de los mejores debuts de la historia. El primer disco –de los tres que publicó en vida: los otros dos son “Bryter Layter” (1970) y “Pink Moon” (1972); todos imprescindibles– se orquestó bajo la batuta de Joe Boyd y contó, entre sus músicos, con Richard Thompson (guitarra eléctrica) y Danny Thompson (bajo). La historia dice que hubo algunos tiras y afloja entre Drake y Boyd sobre el enfoque artístico. Todo el camino (tortuoso o no) que llevó a este disco fundacional se explica ahora con todo detalle en “The Making Of Five Leaves Left”, cuádruple artefacto en exquisito (y caro) CD y vinilo –más un extenso libreto con detalles casi quirúrgicos sobre el asunto– que se empezó a gestar en 2016 –los herederos del artista siempre han sido muy estrictos sobre la administración de su legado– y que incluye en su epílogo el álbum original –en la versión remasterizada del año 2000: John Wood, ingeniero en 1969, opina que ya no se puede mejorar más–.

“El tiempo me ha dicho / Que eres un hallazgo excepcional / Una cura problemática / Para una mente atribulada / Y el tiempo me ha dicho que no pida más / Porque algún día nuestro océano / Encontrará su orilla” (“Time Has Told Me”). Drake, aplastado por la depresión, alcanzó su orilla demasiado, demasiado pronto, pero su obra perdura como el quebradizo e inoxidable daguerrotipo de una de las mentes más sensibles y brillantes de su generación. Juan Cervera

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