2025/ Series

Descenso al corazón sangriento de la frontera americana. Dibuja un retrato brutal y despojado de artificios del Territorio de Utah en 1857, espacio liminal atrapado entre el avance de la civilización y el caos de un mundo sin domesticar. Creada por Mark L. Smith –guionista de “El renacido” (Alejandro González Iñárritu, 2015)– y dirigida por Peter Berg, la serie se deleita en la ferocidad sin concesiones que evoca el wéstern clásico, mientras amplía sus horizontes hacia una crudeza más contemporánea. Álvaro Garcia Montoliu

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Centrada en una de las épocas más sórdidas de la televisión española –los dos mil de “Crónicas Marcianas”– y en la figura de Tamara, Vigalondo filma un “Ha nacido una estrella” a la española, acentuando lo grotesco y lo esperpéntico de ese mundo que tiene algo de pesadilla lynchiana en botijo, y que mezcla lo surreal con lo fantástico, el humor negro con el sainete. Muestra resultados irregulares en su desarrollo, pero lo hace, en cualquier caso, de una forma absolutamente libre, divertida y desenfadada. Daniel V. Villamediana

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Seth Rogen comparte su experiencia personal en Hollywood a través de decisiones estilísticas: está filmada casi siempre con planos secuencia, movimientos de seguimiento que transmiten el ritmo acelerado y precipitado con que se toman las decisiones, y en los que irrumpe lo azaroso. Se percibe a veces forzada en su autoconciencia y no logra alcanzar la ligereza del slapstick al que remite, pero la propuesta es coherente mostrando Hollywood desde lo cotidiano y banal, con la complicidad autoparódica de Martin Scorsese o Ice Cube. Gonzalo de Lucas

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Lo que en principio parecía ser una serie que hablaba sobre el logro final del capitalismo –separar mediante un chip la conciencia del trabajador para convertirlo en dos, el dentri que vive encerrado dentro de la sede de empresa y el fueri que lleva su vida ignorante del otro– ha demostrado ser una propuesta cada vez más compleja que se adentra en cuestiones fundamentales sobre la psique humana. Pese a algunos excesos y ciertos bajones, “Separación” propone algunas de las ideas más singulares que ha producido la ciencia ficción en muchos años. Daniel V. Villamediana

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Se articula en cuatro capítulos: las audiciones, la construcción de un sketch, el trabajo de los guionistas y la conflictiva undécima temporada. El hilo conductor de la serie es el engranaje ideado para la creatividad cómica: un mecanismo muy ambicioso que permite que la idea humorística surja al borde del abismo y del caos, una energía colectiva posibilitada por la televisión en directo. Gonzalo de Lucas

Entre el procedimental, el thriller psicológico y el comentario social, el nuevo fenómeno de Netflix, “Adolescencia”, creado por Jack Thorne y Stephen Graham, explora las consecuencias de un crimen en un colegio inglés a través de cuatro capítulos, cada uno rodado en plano secuencia. El resultado es intenso, inmersivo y, para no pocos espectadores, profundamente perturbador. “Adolescencia” no es, desde luego, una serie fácil de ver. Es emocionalmente agotadora, a menudo dolorosa e implacablemente intensa. Álvaro García Montoliu

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Amy Sherman-Palladino traslada su sensibilidad al mundo de la danza en la primera entrega de “Estrella”. Aunque la serie se resiste a encontrar su ritmo hasta el cuarto episodio, finalmente aparece la energía que la sostiene: ensayos que buscan un centro, cuerpos afinando un pulso común, gestos que insisten hasta volverse revelación. En ese territorio entre el rigor y el hallazgo, y más allá de los diálogos y réplicas enérgicas y chispeantes, el toque Palladino también aparece cuando abordan un hecho dramático con sutileza emocional, dando un par de pasos hacia atrás o adoptando una posición lateral. Gonzalo de Lucas

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La nueva serie de Raphael Bob-Waksberg –“BoJack Horseman” (2014-2020)– no es autoficción, aunque bebe de su propia crianza como judío practicante en la bahía de San Francisco para crear un relato familiar con vocación realista y costumbrista. No es un ensayo sobre ser judío, sea lo que sea que eso signifique, pero sí es la serie que más en serio se toma su judaísmo: no como punchline, al estilo de Larry David, ni como cuento con moraleja. Tampoco como capricho, sino como la amalgama de cuestiones –identitarias, rituales, espirituales, culinarias, afectivas, culturales y prácticas– que construyen la vida de estos personajes y nos dicen quiénes son. Noah Benalal

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Comienza con un montaje especular entre Tom (Mark Ruffalo), exsacerdote y agente del FBI, y Robbie (Tom Pelphrey), basurero que roba a narcotraficantes. Explora lazos emocionales y una red colectiva: familias, investigadores, ladrones y la banda de moteros Dark Hearts. La coralidad, bien enraizada y llena de detalles reconocibles de esa realidad concreta, queda envuelta en una atmósfera sombría, medio orillada, de una clase trabajadora en la que cada personaje parece extraviado dentro de sí mismo. La intriga activa dilemas sobre paternidad, culpa y ruptura familiar, y la serie concede tiempo íntimo a los actores: dudas, heridas, miradas. Gonzalo de Lucas

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Su primera temporada se ordenaba a partir de una sorpresiva narración in extrema res. Ahora, sus creadores han optado por un relato intercalado a dos tiempos, el primero situado en abril de 1996 con el DJ Marc Ribó (Àlex Monner) ya instalado en Ibiza, y el segundo en 1971, con su padre, un aspirante a constructor, como protagonista. El inteligente uso de la elipsis, la valentía a la hora de romper las estructuras dramáticas sin perder coherencia, su mirada panóptica sobre una isla en transformación y, sobre todo, su primoroso diseño de personajes y su muy particular lectura sobre la paternidad hacen de “La Ruta. Vol. 2” una serie imprescindible. Enric Albero

Una década separa las dos temporadas que conforman “Wolf Hall”, adaptación de las tres novelas de Hilary Mantel llevada a cabo por el guionista Peter Straughan y el realizador Peter Kosminsky. La historia de ascenso y caída de Thomas Cromwell (Mark Rylance), abogado de extracción humilde que pasó de ser el asesor del cardenal Wolsey (Jonathan Pryce) a convertirse en la mano derecha del rey Enrique VIII (Damian Lewis), se mira en la inveterada tradición de la BBC, que pasa por adaptar novelas de prestigio en clave de tragedia shakespeariana. Una serie que parece dialogada por semiólogo, planificada desde una lujosa austeridad y con un elenco pluscuamperfecto. Enric Albero

Un true crime que dramatiza el caso real de las hermanas González Valenzuela, conocidas como “Las Poquianchis”, su red de proxenetismo y, sobre todo, los múltiples asesinatos que cometieron durante los años cincuenta y sesenta en México. Basada en la novela de culto homónima de Jorge Ibargüengoitia de 1977, describe con convicción el ambiente político-social de la época y cómo las hermanas construyeron su imperio al tiempo que son investigadas por la policía. A pesar de una estética que intenta imitar con fortuna desigual el cine clásico de Hollywood de los años cincuenta, merece la pena adentrarse en este México oscuro y violento. Daniel V. Villamediana

Cada época tiene sus propios terrores nocturnos, pero lo curioso es que el miedo de los años cincuenta, cuando vio la luz “El eternauta”, una de las grandes novelas gráficas del siglo XX, conecta ahora extraordinariamente bien con nuestro miedo pospandémico, con una posible guerra nuclear en ciernes, ecocatástrofes y ese miedo irracional y enfermizo a la llegada del otro. Protagonizada con carisma por Ricardo Darín, la adaptación de Bruno Stagnaro recupera sensaciones de los grandes filmes de la sci-fi clásica; esto es, capturar los miedos de una época. Un miedo que alude principalmente a los cambios que está sufriendo el mundo y que no logramos comprender. Daniel V. Villamediana

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Nos encontramos con Mussolini hablando a cámara y atravesando un teatro mientras los camisas negras cantan. Presenta guerra, odio y ficción como discurso. La escena concluye con un proyector que superpone al M real y al filmado. El ritmo frenético continúa: audacias visuales, expresionismo, archivo, retroproyecciones, rupturas, videoclips, todo rodado en Cinecittà con tono onírico. Un exceso que no cae en el grand guignol gracias a un Joe Wright firme y preciso. No es reconstrucción arqueológica: bajo M asoman Berlusconi, Putin, Trump. El cierre muestra a Mussolini colgado, mientras su voz afirma: “Aún estamos entre vosotros”. Felipe Cabrerizo

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Stefano Sollima y Leonardo Fasoli (de “Roma criminal” a “Gomorra”, ahí queda lo más intrincado del último noir italiano) afrontan uno de los casos más célebres de la crónica negra transalpina, el del killer que durante 18 años asoló la campiña toscana a golpe de asesinatos y mutilaciones. Con el valor de situarse fuera de las líneas más previsibles del true crime, no jugando con las muchas hipótesis de un caso aún irresuelto sino con la inesperada búsqueda del magma del monstruo en un mundo arcaico y malsano, al límite del folk horror, donde el terror no viene marcado por la sordidez sino por unos códigos antropológicos puramente primitivos. Felipe Cabrerizo

Creada en 1997, “South Park” ha logrado convertirse en una de las series más ácidas, satíricas y brutales jamás hechas en televisión. En su 27ª temporada, va directamente a la yugular de Donald Trump, basculando del humor absurdo a la crítica política despiadada. La figura de Trump, aliado y encamado con Satán, participa, al menos a través de sus políticas, en todos los episodios. Reaccionando con rapidez de viñeta periodística a la actualidad del momento, en esta temporada se habla de la censura televisiva, los aranceles, la inmigración o la situación con Palestina. Casi treinta años después, sigue siendo un genuino foco de resistencia. Daniel V. Villamediana

Arranca en formato cuadrado, con un hombre occidental practicándose el harakiri. La imagen encadena con música de Semana Santa y pasa al panorámico con una procesión convertida en digresión alucinatoria: un tamborilero enloquece, a uno de los costaleros le sangran los ojos y los nazarenos levitan. No es “Twin Peaks”, pero la música y los giros evocan la serie de Lynch y Frost, que representa un eco nada lejano, una influencia sosegada. Daniel Corpas Hansen y Enrique Urbizu, director de los ocho episodios, respiran su propio aire teniendo en cuenta aquellas renovaciones y transgresiones que llegaron a la televisión estadounidense de los primeros noventa. Quim Casas

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Siempre pensé que frente a una invasión de los ultracuerpos lo mejor es que me cogieran rápido, a poder ser durmiendo: mucho mejor una deshumanización colectiva que esta ansiedad insoportable del día a día. Vince Gilligan, tira del sub-subgénero aderezando el potaje sci-fi con un cuarto de kilo de Richard Fleischer, un trozo de tuétano de Philip Kaufman y un pellizco de Richard Matheson, pero manteniendo intacto su buen gusto a la hora de construir relatos gigantes a partir de detalles mínimos, con el corazón en el centro y el humor en los vértices y contando con el liderazgo interpretativo de una Rea Sheehorn que es puro bombo-clap. Alejandro G. Calvo

La vuelta de Gumball implica una celebración-exaltación eufórica en toda regla: la que, probablemente, es la mejor serie de animación de la televisión de los últimos años renueva sus votos con mínimos cambios, como su propia cabecera, donde la pixelación en la transición evoca a la experimental y canónica “Off The Air”. Gumball juega a parecerse a otras series –“Los Simpson” o “Padre de familia”– y, sin embargo, no se parece en nada a ellas: sus imágenes hibridan un tornado de formatos plásticos con una caída de gags cómicos en velocidad terminal que no sé cómo no acabamos todos con convulsiones epilépticas. Alejandro G. Calvo

¿Qué es un director de cine? En la miniserie “Mr. Scorsese” vemos justamente todo lo que no se ve: lo irracional, la culpa, la furia, el abuso de drogas, la ambición desmedida, el abismo y la autodestrucción. Sorprende conocer ahora al verdadero Martin Scorsese y descubrir una figura compleja, por momentos antipática, en lucha constante con sus numerosos demonios: la violencia, la mafia, su catolicismo… Por supuesto esta es también una serie sobre su obra, pero, sobre todo, es un viaje hacia los infiernos de un creador marcado por unos traumas y obsesiones, un confesionario donde el artista es tanto el confesor como el pecador. Daniel V. Villamediana

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Tim Robinson y Zach Kanin parten de un hecho anecdótico –la rotura de una silla durante la presentación de un proyecto de un centro comercial– para desarrollar una demencial teoría de la conspiración con tintes absurdos y kafkianos, tensando el límite del humor como en “I Think You Should Leave With Tim Robinson”. Su protagonista está seguro de que alguien manipuló la silla y se deja llevar por esta obsesión, cayendo por una delirante madriguera de conejo que afectará a su vida personal y laboral, convencido de que la empresa fabricante oculta algo. Una serie raruna, que habla de la paranoia norteamericana entre la carcajada y la sonrisa congelada. Daniel V. Villamediana

Una oda al formato breve: ocho episodios de poco más de diez minutos cada uno. Una agudeza inusual para perfilar gags en los que lo cotidiano queda embadurnado por el barniz de lo extraño: una señal wifi intermitente que solo funciona con calor humano, el neonazi que no sabe dibujar esvásticas... Y una inaudita capacidad para analizar la realidad del país –de la crisis de la vivienda al envejecimiento de la población– partiendo de la minúscula historia de Berta (Esperanza Pedreño) y José Ramón (Raúl Cimas), cuyas desventuras sentimentales tras quedarse sin casa sirven a un propósito discursivo trabajado, siempre, desde el subtexto. Enric Albero

Un taxista opositor y un torero en horas bajas recorren el país de plaza en plaza. Si bien la propuesta daría para un febril reality de la España más cañí, en manos de Paco Plaza y Paco Guerrero pulveriza prejuicios con una historia de filiación entre el conductor, el diestro y su cuadrilla; si se quiere, el contraplano ausente de “Tardes de soledad”, que imagina personajes imposibles en la abstracción del documental de Serra. En estos seis episodios de atmósfera compacta e imágenes en 16mm la comedia nace de la extrañeza y el cinismo se combate con el calor fraternal de navegar juntos por lo que nos es ajeno. ¿No iba también de eso “Atlanta”? Daniel de Partearroyo

Es una de las series más sólidas del año. Puede parecer un producto más del subgénero drama médico, pero aquí priman la acción, la precisión y el conocimiento científico. Episodios que saben ir al grano, con un rigor que la dota de una credibilidad extraordinaria. Al mismo tiempo, es una serie sobre el aprendizaje entre doctores y estudiantes; transmisión de conocimiento que, nos recuerda, es la base de nuestra sociedad. Sus personajes se describen por sus intervenciones y la cámara los sigue frenéticamente, lo que importa es el movimiento: los médicos sufren, son cuestionados, pero siguen. La sala de urgencias como espejo de nuestra realidad. Daniel V. Villamediana

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Fielder vuela más alto que nunca, y sin quemarse. Con la pregunta “¿puede un payaso cambiar el mundo?”, la nueva entrega de “Los ensayos” evita el solipsismo en el que más de una vez se ha perdido y da un giro universal. Aplicando las herramientas perfeccionadas a lo largo de su carrera, Fielder decide enfrentarse a una cuestión que escapa a sus competencias: el factor humano en los accidentes de avión, que él achaca a un fracaso de las relaciones interpersonales en la cabina del piloto y que cree poder resolver utilizando sus ensayos.

No nos engañemos, esta temporada trata sus temas de siempre: la incomodidad social y el extrañamiento de sí mismo. Pero también mira al mundo y al espectador con una intención renovada, más clara. Cuestionada su sinceridad, su ética y la cuestión de la performance, Fielder vuelve a evitar dar respuestas directas. Y lo hace brillantemente, alcanzando su apogeo dramático y narrativo. Porque su periplo más caro y complejo muestra hasta qué punto la pregunta sobre la sinceridad es irrelevante: toda interacción social es una performance. En el centro de la temporada, su falta de idoneidad para la tarea que se ha propuesto realizar ilumina lo que somos: actores que van resolviendo situaciones con un nivel mayor o menor de competencia dentro del sistema. Sujetos de un mundo profesionalizado y tecnificado hasta la extenuación que no se sostiene sin la fe en que todos los demás interpreten su papel sin fisuras.

En el método Fielder hay una acusación al espectador-sociedad, o una verdad revelada: se nos exige sinceridad cuando, en realidad, lo que nos están pidiendo es que actuemos. En ese sentido, la performance del payaso-piloto es la más sincera hasta la fecha. Lo que transmite confianza no es la verdad: es su proyección narcisista; no titubear, no experimentar dificultad, no pedir ayuda. Y, sin embargo, si hacemos eso, los aviones se siguen cayendo. Nada de esto, por ingenioso y simbólico que sea, nos habría electrizado tanto si no hubiésemos visto volar a Fielder, porque la serie se sublima también fílmicamente. Se vuelve gigante, nos sorprende y nos supera. La secuencia del vuelo de un 737 pilotado por Fielder es historia inmediata de la televisión, o de lo que sea esto que estamos viendo. Que tiemblen “Fast And Furious”, “Misión: imposible” y todas las fantasías de capacidad inalcanzable a las que acaba superando: no es HBO, no es Superman, es Nathan Fielder surcando el cielo. Noah Benalal

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