2023/ Reediciones

Debido al carácter juguetón del proyecto, la música resultante no es cien por cien cerebral, oscura o asfixiante: hay momentos de luminosidad y bocanadas de aire. A pesar de algunos brevísimos momentos de monotonía, “Hold Your Horse Is” (2002) es un debut categórico donde los haya, que además se alza como la obra más representativa de Hella. Se recomienda no intentar seguir el flujo de la música con el cuello, los pies o cualquier otro miembro; mejor permanecer apoltronado y abandonarse al anonadante bombardeo. Xavier Gaillard

Lee la crítica completa aquí

Reedición de esta perla de 1992 de la autora japonesa, que se reafirma en la desafiante conexión germano-nipona a través de la colaboración de miembros de CAN, Einstürzende Neubauten o DAF en el estudio de Conny Plank. Phew, que continúa grabando en la actualidad, comenzó en Aunt Sally, banda pionera del punk de Osaka, y en este su tercer álbum experimenta entre cierta noción improvisadora con estructuras alteradas propias de kraut, post-punk, no wave o free jazz. Sus gruñidos y susurros son otra muestra del choque buscado. Echen la culpa a Yoko Ono, o a Damo Suzuki. Javier Corral “Jerry”

Sus doce canciones nacieron de entre las 56 que él y Jon Brion compusieron a lo largo de dos años, y se nota porque es un clásico álbum de debut (publicado en 1998). Es fácil discernir por qué esta tarjeta de presentación impactó: una voz nacida para perdurar al servicio de composiciones gestadas al piano y con profusión de arreglos, entre el pop de alta alcurnia y la influencia del american songbook. Hay tres inéditas. La bonita y austera “More Wine”, la delicada balada “So Fine” y la arrastrada letanía que es “Come”. Ninguna vale su peso en oro, pero las tres juntas ilustran la temprana versatilidad de su autor. Carlos Pérez de Ziriza

Lee la crítica completa aquí

En este clásico semiolvidado del post-bop, editado en 1970, el entonces veterano Jamal revela –años después de haber sublimado el cool jazz y junto a su bien sintonizado trío habitual– su cara más introspectiva e impresionista. Aunque sus propias composiciones –“Patterns”, donde reluce la sección rítmica– flirtean con el vanguardismo, prefiere la precisión y la delicadeza a las explosiones. Lo demuestra el delicioso tour de force en solitario “I Love Music”. El ambiente que canalizan sus manos nos apoltrona en un añejo pasado hard-bop –una potente versión de “Stolen Moments”– para luego arrancarnos del ensueño con una exótica carrera de teclas vibrantes: ese bombazo final con “Wave”, original de Jobim. Xavier Gaillard

Hay un punto vibrante que Grandaddy nunca tuvo en su carrera de esta manera. Y luego, claro, están las canciones. Más concisas y concretas, que era lo que pretendía la banda. Ya estaban prácticamente tal cual en el disco de demos, titulado “Sumday: The Cassette Demos”, demostrando que la visión de Jason Lytle estaba perfectamente ajustada. Acompañando al elepé de 2003, “Sumday”, y a las demos está también un vinilo de rarezas que es quizá lo más interesante de la reedición, más allá de poner en valor a una banda que desde luego lo merece con creces. (Re)descubrir a Grandaddy es más que un placer. Nacho Ruiz

Lee la crítica completa aquí

El joven Prada quiso ejecutar en 1977, con su cuarto álbum, un doble salto mortal sin red: traducir musicalmente la expresión inteligible, léase escrita, de la ininteligible unión espiritual del alma humana con Dios que plantea la literatura mística. Su voz le permitía culminar picos expresivos hoy casi inexpugnables. Consigue trazar un paisaje estético rebosante de emoción y de sentido partiendo de un material lírico inagotable. Música de cámara torrencial de florido ascetismo escrita en el siglo XX, en nuclear fusión con las razones ocultas de San Juan de la Cruz, del XVI. José Manuel Caturla

Lee la crítica completa aquí

No cesa, afortunadamente, el constante rescate de talentos que quedaron olvidados en una época demasiado desbordante para asumirlos todos. Estadounidense instalada en Londres desde su adolescencia, Laurie Styvers (1951-1998) publicó dos elepés (1971 y 1973) mentalmente conectados con Laurel Canyon que ahora se descubren extraordinarios, recopilados en esta reedición junto a canciones inéditas, demos, etc. Pudo ser una Carole King exuberante en arreglos, una Laura Nyro más pop. Y lo fue, solo que hasta ahora apenas habíamos podido enterarnos, y admirarla en profundidad. Ricardo Aldarondo

Consigue no solo sonar actual (se publicó en 2003), sino diferente a la ingente cantidad de producciones que el género ha lanzado desde entonces. Invita a descubrir nuevos elementos que son capaces de expresar intensidades sin nunca parecer vacío ni excesivo. Desde los lugares políticos, pasando por su relaciones filiales con el baile, la música y el ritmo, todo lo que vivió Villalobos hasta sus 33 años está impreso aquí. Considerado por Richie Hawtin como “obra maestra”, transmite emociones y una combinación serena entre ritmo y melodía, llevando el house un paso adelante. Sebastián Herrera

Lee la crítica completa aquí

Producido por Ric Ocasek, “A Way Of Life” (1988) surgió en un momento de cambio de paradigma para la música pop y supuso la vuelta de Suicide a un sonido más radical. Además, la fuerza gravitatoria de la primera etapa del dúo es demasiado potente, por lo que su tercer disco suele pasar más desapercibido. Aun así, se mantenían razonablemente frescos y el tecno-roll industrial actualizado de “A Way Of Live”, puntualmente servido por la cafetera percutante de Rev y la berrea demoníaca de Vega, es la prueba. Un trabajo que no encuentra parangón en su época y sigue sin hallarlo en esta. José Manuel Caturla

Lee la crítica completa aquí

Diez años después (se editó en 2013), suena igual de bien. La entrada del arpegio en la odisea italo-disco “Giorgio By Moroder” aún puede cortar la respiración. “Get Lucky” todavía no cansa. “Instant Crush” era y es ídem. El tema de musical imaginario “Touch” ha ganado en emoción tras convertirse su outro en la banda sonora del vídeo de despedida del dúo de 2021. Lo más curioso es poder escuchar elementos o cortes completos conocidos en versiones previas a las definitivas: unos redomados perfeccionistas abriéndonos la puerta a sus procesos. Juan Manuel Freire

Lee la crítica completa aquí

Publicado originalmente en 2000 a nombre de Avey Tare y Panda Bear, resulta una joya arqueológica de lo que luego sería Animal Collective. Salvaje y desordenado, todavía sin la pulida producción posterior, deja ver el germen de su peculiar psicodelia, melodiosa, inquietante, exuberante y abrasiva, pero con un inescapable núcleo pop en lo más profundo del ruido: “Chocolate Girl”. El EP “A Night At Mr. Raindrop’s Holistic Supermarket” (2023) completa la reedición con pistas inéditas de la misma época, incluyendo una retorcida versión electro de “Dreams”, de Fleetwood Mac. Susana Funes

Esta colección de canciones, publicada en 1972, confirió al tándem Elton John/Bernie Taupin estatus de estrellas populares y “serias” que hoy, cuando la celebridad se logra por medios digitales a la velocidad de luz y se desvanece (casi) con la misma rapidez, es difícil de imaginar: aquí hay artesanía sobre el pentagrama, arreglos en su punto justo de cocción y músicos virtuosos siempre al servicio de la canción. Al año y pico del pelotazo de “Honky Château” llegaría “Goodbye Yellow Brick Road”  (1973), uno de los iconos de los setenta, un doble álbum que sería difícil de entender sin la floreciente madurez de este trabajo. Juan Cervera

Lee la crítica completa aquí

Relegado durante tiempo incluso por su propio autor a causa de una turbulenta relación con el sello India Navigation, “Pharoah” (1977) resurge con fuerza con una reedición de lujo, en doble vinilo y CD. Tras una etapa más accesible, Sanders recobró su tracción espiritual y emocional, espoleado por una pluralidad de timbres y voces, cabalgando entre calidez y éxtasis. Góspel, R&B o soul asoman en este brillante retorno, secundado por un valioso libreto y por un inédito directo europeo de 1977 que duplica, en cuarteto liderado por su poderoso saxo tenor, el nuclear “Harvest Time”. Salvador Catalán

Lanzado con pocas esperanzas de llegar a ningún público, treinta años después sigue resultando una obra incómoda a la que pocos son capaces de enfrentarse y salir indemnes. Tres cortes en setenta y tres minutos. Puro drone de ritmo comatoso. Hay quien lo considera ambient oscuro. Para otros es una forma extraña de metal. “Earth 2” (1993) es todavía un reto que no ha perdido ni un ápice de su fiereza y su cariz extremo. Es una montaña sonora que marca la diferencia entre quienes son capaces de llegar a la cima y quienes se quedan en el camino. JuanP Holguera

Lee la crítica completa aquí

Ha sido remasterizado en los estudios Abbey Road y se han regrabado –“reencarnado”– media docena de sus temas con voces acompañantes de armónicos inferiores como las de Sukie Smith, Lucia o Marta Złakowska en sustitución de la mucho más sexi Martina Topley-Bird. Las nuevas versiones, registradas por Tricky en 2022, son todas interesantes y en general bajan todavía más las revoluciones de los originales de 1995, además de su minutaje. El también excelente material restante procede, incompleto pero seleccionado por el propio Tricky, de los singles extraídos del cofre del pirata matriz. José Manuel Caturla

Lee la crítica completa aquí

El enigma The Residents alcanzó su momento más alienante (si eso era posible) con este falso audio-documental sobre una cultura esquimal inventada. En el subtexto, el ciclo de la vida, la lucha por la supervivencia, la pérdida de la inocencia, el capitalismo que todo lo corrompe. Gélidas ventiscas, regañinas tribales y ensalmos del brujo Angakok esconden el premio de alguna melodía naíf, deliciosas percusiones primitivas y un bello final crepuscular. Casi medio siglo después, “Eskimo” (1979) sigue siendo un descubrimiento y un desafío. La prueba del algodón para cuestionarte por qué (y cómo) escuchas música, qué buscas en ella. Félix Suárez

A punto de cumplir 30 años, el punk rock de “Dookie” (1994) ha envejecido perfectamente y sus hacedores lo saben. El álbum con que el trío californiano dio el salto a una multinacional y a la fama planetaria se ha reeditado en un pack con extras muy jugosos: demos y descartes, el demencial concierto de Woodstock de 1994 y el directo del Garatge de Barcelona de junio de ese mismo año. Quienes asistieron lo recuerdan como memorable y esta grabación lo ratifica. Además, chapas, pegatinas, imán y, sobre todo, un completo libreto que nos permite entender el trasfondo en que se fraguó. Laura Pardo

Tres años después de la muerte de Pauline Anna Strom se publica una caja retrospectiva titulada “Echoes, Spaces, Lines” que engloba sus tres primeros LPs –“Trans​-​Millenia Consort” (1982), “Plot Zero” (1984) y “Spectre” (1984)– y otro inédito, “Oceans Of Tears”, descubierto al morir, en formato casete. Aunque se la incluyó inicialmente en la música new age, algo que ella detestaba, en realidad tenía más influencias de Tangerine Dream –y de Bach y Chopin y de Brian Eno– que de otras músicas, y no le hacía ascos a la experimentación. Jesús Rodríguez Lenin

Lee la crítica completa aquí

Terminaría ganando el Mercury Prize y convirtiéndose en el primer disco de rap británico en alcanzar la certificación platino, asentando un canon para el grime que en muchos aspectos iba en contra de sus propias reglas. Más allá de las invenciones sonoras de Rascal, lo más interesante es su narrativa interna, constantemente autorreferencial. Reinventando el cronismo urbano tan genuinamente británico para las nuevas generaciones, con solo 19 años, ofrece un trabajo –publicado en 2003– que en cierto modo habla de cómo hemos ido perdiendo el amor, y nuestra propia humanidad, en la dictadura del dinero. Diego Rubio

Lee la crítica completa aquí

Reducir el legado de A.R. Kane a la coagulación del dream pop, por meritorio que haya sido aquel logro, es ignorar el resto de las destrezas formales del grupo londinense: Alex Ayuli y Rudy Tambala tuvieron la misma audacia a la hora de mixturar géneros como el dub, el noise y el free jazz. “A.R. Kive”, el recopilatorio que compila su catálogo para Rough Trade, da cuenta de tal eclecticismo y funciona como correctivo en contra del olvido: incluye la remasterización –y debut en streaming– de “69” (1988), de “i” (1989) y del EP “Up Home” (1988); también un par de ensayos firmados por Greg Tate y Neil Kulkarni. Bartolomé Armentano

Fue el duodécimo álbum de Marc Almond, original de 1991, en sus diferentes guisas, el penúltimo de su etapa imperial. La idea era hacer un disco doble –se quedó en simple, pero ahora se añaden seis descartes al CD1–, conceptual –como casi siempre– y definitivo –Warner contrató a Trevor Horn: solo quiso trabajar en media docena de pistas que ahora encabezan la secuenciación–. También supuso el reencuentro con Dave Ball. El resultado no satisfizo a casi nadie, pero “Jacky” o “The Days Of Pearly Spencer” persisten en el repertorio de Almond. Seis lustrosos CDs y un DVD recogen en esta edición “expanded” todo el material imaginable de esta fase cenital. José Manuel Caturla

Pete Townshend ideó “Life House” como la primera ópera rock multimedia, acompañada por una película sobre un planeta en fase de colapso ecológico y con la población controlada con reglas automáticas y pacificada a través de realidad virtual. En la edición más amplia –10 discos, 155 canciones– se encuentran todas las de “Life House” en diferentes fases de desarrollo. Además de numeroso material gráfico documental de la época, sobresalen un libro con un centenar de páginas y la novela gráfica “Life House”. Una recopilación mastodóntica para documentar un proyecto de 1971 abrumador en escala y alcance. Cesc Guimerà

Lee la crítica completa aquí

El fallecimiento en febrero de Trugoy the Dove ensombreció la colorida fiesta –digitalización de su catálogo para streaming más reediciones en vinilo– planificada por el trío neoyorquino. Su primer álbum –original de 1989 y producido por Prince Paul– es un prodigio de imaginación, una bacanal de samples y un chorreo de skits que, en un contexto poco propicio para los ramos de margaritas y los pantone fluorados, consolidó su potente discurso de integración, respeto y eclecticismo, abriendo un camino alternativo para el género con clásicos que todavía nos hacen sonreír, como “Eye Know”, “The Magic Number” o “Me Myself And I”. César Luquero

Su alquimia no emergía como algo improbable, ni mucho menos inverosímil. Aun así, tampoco era fácil predecir que “Painted From Memory” (1998) acabara siendo un disco tan sobresaliente, insuperable síntesis de las virtudes del uno y del otro. Aquel celestial álbum explica esta caja de cuatro CDs (también en doble vinilo). ¿Queda algo por exhumar de semejante conjunción de talentos? Poco importa cuando se tiene esto delante. Un festín, un derroche, una bacanal de 45 canciones. El mano a mano entre dos colosos de la mejor música popular de siempre. Carlos Pérez de Ziriza

Lee la crítica completa aquí

Representa algo extraordinario, el salto, en 1973, a la escena internacional de una formación que presentaba un sonido inédito hasta la fecha, cortante y orgulloso, con la rebeldía inherente al reggae y un marco reconocible para los fans del rock. Las pistas se grabaron en tres de los mejores estudios jamaicanos y para ello los miembros del trío original contaron con la participación de los hermanos Aston y Carlton Barrett proveyendo una sólida base rítmica. Las letras funcionaban como artefactos antisistema pero al mismo tiempo estaban cargadas de poesía y lirismo, y conectaron con público de todo el mundo. Dr. Decker

Lee la crítica completa aquí

Reúne, aparentemente, todo el material publicado por el grupo afincado en Athens, junto a un puñado de grabaciones inéditas, pero viene con trampa. No está exactamente todo lo que editaron (fans avezados han apuntado temas ausentes) y se trata de una actualización más comercializable por parte del sello Merge de “Box Set” (2011). Añade una mejor presentación, algunos temas extra o la recuperación plastificada y digitalizada de directos popularizados entre los fans como “Live At Jittery Joe’s”. Y, aunque no del todo, sirve para poner un poco de orden en su obra. David Saavedra

Lee la crítica completa aquí

El disco de debut (1982) de The Dream Syndicate arrastraba las formas del rock americano de costa a costa, con la mirada puesta tanto en el Nueva York de The Velvet Underground como en la California de The Grateful Dead, con la electricidad turbia o turbulenta y lo que podía quedar de la gran era de la psicodelia estadounidense. La onomástica merece la inclusión de todo tipo de descartes de la época, tomas alternativas, premaquetas, improvisaciones, versiones para 7”, covers, tomas en directo sin pulir y fragmentos de conciertos un poco mejor grabados. Quim Casas

Lee la crítica completa aquí

Lo que muestra esta ampliación del campo de batalla en torno a su cuarto LP es a la banda en su momento de mayor esplendor. Lo que parecía imposible sucedió con “Tim” (1985): superar una obra maestra como “Let It Be” (1984) en su desembarco con una major. Así queda documentado en esta edición deluxe. Lo que demuestra esta caja de adquisición necesaria para todo amante del heartland rock más gamberro y original es que al referirnos a este grupo hay que hacerlo en términos comparativos con los grandes puntales de la historia del rock, ya sean Led Zeppelin, Bruce Springsteen o The Rolling Stones. Marcos Gendre

Lee la crítica completa aquí

Guarda en su interior media docena de álbumes: los cuatro de The Auteurs (1993-1999), el de Baader Meinhof (1996) y el postrero “Das Capital. The Songwriting Genius Of Luke Haines And The Auteurs” (2003), que incluía regrabaciones en clave orquestal. Además, invita a reconsiderar la valiosa aportación creativa de Haines y su mal avenida tropa en ese miope contexto que encumbró a Kula Shaker, The Bluetones o Reef mientras The Auteurs jamás alcanzaron el top 20. Trae todas las caras B, canciones extra, maquetas y demás grabaciones esquivas que conforman un corpus imprescindible. César Luquero

Lee la crítica completa aquí

La génesis de “Time Out Of Mind”  (1997) se remonta a agosto de 1995, fecha de la muerte de Jerry Garcia (The Grateful Dead) a los 53 años, un hecho que dejó a Dylan totalmente devastado. Lo cierto es que las sesiones de grabación acabaron desembocando en un ciclo de once canciones que se encuentran entre lo más perfecto y refinado en su amazónica trayectoria. “Fragments. Time Out Of Mind Sessions (1996-1997)” recupera el álbum original en una nueva mezcla a cargo de Michael H. Brauer y se nutre de abundante material adicional tanto en la edición en doble CD y cuádruple vinilo como en la deluxe. Juan Cervera

Lee la crítica completa aquí

The Lemonheads habían pasado de ser un grupo de punk con cierto ramalazo pop a coronarse como reyes de la melodía del circuito indie, con su líder Evan Dando convertido en una especie de sex symbol yonqui, destartalado y frágil. Todo gracias a “It’s A Shame About Ray”  (1992), el disco clave en su discografía y la cima creativa que jamás lograron superar. Pero en “Come On Feel” (1993) estuvieron muy cerca. Aún estaban en su mejor momento. Con el músico australiano Tom Morgan como elemento de ayuda fundamental en las labores de composición (aun sin ser parte del grupo) junto a un Evan Dando en estado de gracia, este es un repertorio con aire de clásico de su tiempo. Aunque con altibajos, sigue siendo un gran disco de pop de guitarras que aguanta sin problema el paso del tiempo. JuanP Holguera

Lee la crítica completa aquí

Treinta años después, “In Utero” (1993), el álbum de “Rape Me”, suena como una afrenta contra la industria musical de aquel momento. La elección de Steve Albini como productor es uno de los hechos que mejor definen la idiosincrasia de un tratado de crudeza power chord al que el paso del tiempo le ha sentado de maravilla. Existe la opción de hacerse con un boxset compuesto de ocho vinilos y varios anzuelos más por un precio de 300 euros. Adentrarse en este disco es como ser testigos del comienzo de una cuenta atrás que sigue conmocionando como el primer día y que suma puntos a la complejidad de una serie de canciones de perfiles rugosos y corazón punk desbocado. Lo que se entiende como un vómito sin filtros al cual siempre poder recurrir cuando se nos acabe la paciencia ante la mediocridad reinante. Marcos Gendre

Lee la crítica completa aquí

De los discos “perdidos” de Jason Molina, este puede considerarse como su particular piedra filosofal. Publicado en cuatro CDs dentro de una cajita de madera con cuatro sesiones diferentes –“Nashville Moon”, “Black Ram”, “Sun Session” y “Shohola”, más el DVD de “The Road Becomes What You Leave”, documental de 21 minutos filmado por Todd Chandler con la banda en ruta por Canadá, y un medallón metálico–, reaparece ahora (sin DVD ni medallón) por primera vez en vinilo. Grabadas tras la edición de “What Comes After The Blues”  (2005), las canciones de “Sojourner” (2007) son una auténtica Biblia Molina, un viaje por su rock reptante bañado en country y blues, un mapa casi inabarcable de americana tejida por la mente de un compositor excepcional. No es barata, pero, lo juro, vale su peso en oro. Juan Cervera

Lee la crítica completa aquí

1987 podría ser el año del cenit de la carrera de New Order, y ya sabemos que después de coronar la cumbre empieza el descenso. Contra esta tesis se encuentra el hecho de la existencia de “Technique” (1989), su último álbum indiscutible, y también es verdad que maxis como “Shellshock” o “State Of The Nation”, ambos de 1986, no estuvieron a la altura de los cercanos “Thieves Like Us” (1984) o “The Perfect Kiss” (1985), por no hablar de “Ceremony” (1981), “Temptation” (1982) o “Blue Monday” (1983). Todos ellos están incluidos, con sus respectivas caras B, en esta reedición definitiva de “Substance” (1987) uno de los recopilatorios de singles más imbatibles de la historia del pop. Esta reedición pone la guinda con un bolo inédito registrado por la banda el 12 de septiembre de 1987 en el desaparecido Irvine Meadows Amphitheatre de California. José Manuel Caturla

Lee la crítica completa aquí

Brian Eno no pudo abrir mejor sus Obscure Records que con la prodigiosa obra de Gavin Bryars formada por los temas “The Sinking Of The Titanic” y “Jesus’ Blood Never Failed Me Yet”, primera entrega de una colección esencial de música contemporánea, de cámara, vanguardia, experimental, repetitiva y minimalista, todo de una sola tacada, organizada por Eno en uno de sus mejores momentos como productor, descubridor y conceptualizador. Fueron cuatro años de auténtico fulgor creativo, de 1975 a 1978, que redimensionaron los cauces de la música repetitiva con diez volúmenes recopilados ahora en una caja de otros tantos vinilos, en edición limitada de mil copias, y compactos –más un libreto ilustrado con textos de Bryars, David Toop y Tom Recchion, entre otros– que restituye, sin retoque alguno, la importancia de aquel decálogo de oscura belleza con el que Eno, como productor e instrumentista, empezó a adentrarse en la música de vanguardia sin romper atadura alguna con el art pop que estaba desarrollando en su magnífica tetralogía inaugurada un año antes con “Here Come The Warm Jets” (1974). Quim Casas

Lee la crítica completa aquí