2025/ Cómics

Úrsula vive sola en una ciudad cualquiera, es traductora y a veces quiere escribir su propio libro. Cualquier parecido con la realidad, seguramente, no es coincidencia. Una noche, mientras cena en su sofá, descubre el ciclo de la vida gracias a una pizza fallida: primero uno se deleita con la emoción de la expectativa; enseguida se sucede la decepción y se impone la cruda realidad. Con estos elementos, sumados a textos cuidados, destellos de poshumor y la renuncia a cualquier atisbo épico, el autor crea un personaje entrañable. Isabel Cortés

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La génesis de la obra es reveladora. La autora surcoreana Keum Suk Gendry-Kim vive a escasos kilómetros de la frontera con Corea del Norte; el paisaje sonoro de su vida cotidiana incluye helicópteros militares, simulacros de bombardeo y la tensión constante de quien habita una zona de conflicto congelado. Esta proximidad al enemigo –setenta años después del armisticio que nunca se convirtió en paz– es el motor del libro: la necesidad de entender qué hay al otro lado, quién es el hombre que perpetúa la división. Alex Serrano

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“Mi madre fue mi primer país, el primer sitio en el que viví”. Con esta cita de Nayyirah Waheed comienza la californiana su ópera prima en la novela gráfica, cita que enreda al lector con los dos hilos que tejen este relato: la patria y los padres, y todo lo que ambos pueden llegar a acarrear. Especialmente cuando tu madre china emigra a Estados Unidos, crea su propia familia y acoge en ella a una madre con un trastorno psiquiátrico crónico. Una obra que bascula entre lo poético, lo histórico y lo terapéutico. Isabel Cortés

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Continúa con la intención sociológica de sus dos primeros libros; si “El buen padre” (Sapristi, 2020) mostraba las dificultades de integración de la población migrante y los problemas de convivencia familiar derivados, y “Chacales” (Sapristi, 2022) se centraba en cuestiones de salud mental, marginación y precariedad, “Mal olor” aborda lo peor de la cultura empresarial y la vida laboral. De nuevo con estética basada en líneas de apariencia engañosamente vectorial –la autora continúa trabajando de forma artesanal–. Gerardo Vilches

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Este cómic filma el instante exacto en que la infancia se resquebraja: días que parecen infinitos, cemento que respira calor, pequeñas gestas de extrarradio y flechazos que apenas duran una estación. En una ficticia población suspendida entre lo recordado y lo mítico, Carlos avanza con miedo y curiosidad a la adolescencia; Bebeto querría detener el tiempo. La relación entre ambos, marcados por la pérdida, sostiene un coming of age tierno y honesto que huye del artificio, iluminado por la luz tibia de un verano que ya no volverá. Javier Pulido

En su nuevo trabajo, la estadounidense quería sumergirse en “El capital” de Marx para crear una obra crítica sobre su relación con el tardocapitalismo, un libro que despertase conciencias, que sirviera para mejorar el mundo; este loable propósito acabó con el abandono de la lectura en el índice y el desvío de la línea autobiográfica que une sus tres novelas gráficas previas para abrazar la polémica autoficción. Con humor e ironía, “Consumida” pone en diálogo lo personal y lo colectivo en la que quizá sea su obra más política y social. Isabel Cortés

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Libro de cubierta kamikaze y un interior que no le va a la zaga, “La muerte - de Irene Márquez” nos presenta sin orden ni concierto una serie de trabajos de la autora manchega. Desde la clásica página con (lúgubre) remate chistoso a ilustraciones sin texto que conducen al desasosiego de quien las contempla (el cadáver de una chica con aparentes signos de violencia arrojado a un campo de inocentes flores amarillas), que alterna con historias más largas donde desarrolla sus dotes de narradora más allá del golpe de efecto. Pablo Ríos

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“Joselito” (2018-2021), el webcómic de Marta Altieri (Sevilla, 1987), parecía venido desde el futuro, un shonen romántico y costumbrista, de lectura fragmentaria y abierta, que exprimía al límite las posibilidades de internet. “Hotel Abuel” emplea el tradicional libro impreso, pero a las pocas páginas resulta evidente que la modernidad de su autora opera mucho más allá del código html y los YouTube incrustados: su narrativa participa de un fluir de la conciencia que tiene más que ver con pasar media hora en TikTok que con casi cualquier cómic publicado este mes. Marcelo Criminal

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“Encías quemadas” es, en primera instancia, la historia de un apocalipsis al que solo sobreviven unos pocos seres humanos, transmutados en criaturas antropomórficas, como el andrógino protagonista, Piel de Perro –trasunto de la autora– y su compañero, Cielito, una suerte de bichejo cartoon que ayuda a generar una dinámica clásica de tensión, que contrasta la intensidad de la melancolía de uno con el cinismo del otro. Ambos inician un viaje por un desierto que tiene mucho de simbólico, recurso habitual en el cómic desde el “Krazy Kat” (1913-1944) de George Herriman. Gerardo Vilches

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“Ir y quedarse, y con quedar partirse / partir sin alma, y ir con alma ajena”. El último trabajo publicado aquí de Dash Shaw (Los Ángeles, 1983) juguetea con esta idea que sobrevuela los versos de Lope de Vega: en la vida hay que tomar decisiones y se puede uno equivocar, pero habrá que seguir tirando. Durante casi 500 páginas, el extenso elenco de diez personajes de la obra monta su particular teatrillo de la vida en un relato de vidas cruzadas tan del gusto de la ficción posmoderna, de Raymond Carver a Paul Thomas Anderson. Pablo Ríos

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El título y la portada, realizada expresamente para esta recopilación de materiales publicados en fanzines y antologías difíciles de conseguir, suponen un trampantojo para quien no conozca el lore de la saga de Megg, Mogg & Búho. El homenaje en la cubierta al “Another Time, Another Place” (1974) de Bryan Ferry y la primorosa edición son la única concesión al glamur en un volumen que amplía el universo slacker, desaliñado e inexplicablemente entrañable de este elenco de personajes disfuncionales e involuntariamente antisistema. Alex Serrano

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Tras “Isolada” (2020), “Mi tabla de súplicas” (2022) y “El placer de la renuncia” (2023), Alpha Cómic vuelve felizmente a editar en España a Keiler Roberts (Milwaukee, 1978). Quienes hayan leído sus títulos anteriores no se llevarán ninguna sorpresa con “Lista para morder”, pues la autora apuesta por ofrecernos otra recopilación de momentos en apariencia triviales de su universo hogareño, haciendo gala una vez más de una particular concepción del cómic autobiográfico que recuerda a ratos al mejor Eddie Campbell. Regina López Muñoz

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El comienzo es un salto al vacío. Paola, la protagonista, se lanza a un precipicio: una imagen que condensa el tono de la obra, entre el vértigo y la búsqueda. En sus páginas, la colombiana-ecuatoriana construye un relato íntimo y fragmentario, hecho de viajes, encuentros y despedidas; un recorrido por distintas etapas vitales, entre Bogotá, Medellín, Lima o La Habana, con un dibujo igual de expresivo que “Virus tropical” (2009; Sexto Piso, 2019), pero con un ritmo más pausado que acude a las texturas del lápiz antes que a la tinta. Isabel Cortés

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Monumental cómic-río con un difícil equilibrio entre ficción, autoficción e historia. Ya en “La favorita” (2015; La Cúpula, 2016), el francobrasileño Lehmann (1983) abordaba el determinismo social como motor narrativo: la confrontación entre la identidad moldeada por la familia y los deseos propios. “Chumbo” amplía ese eje hasta abarcar una genealogía completa. En esta fusión entre lo íntimo y lo colectivo encuentra el tono de esta obra, ajuste de cuentas personal y ejercicio de memoria histórica sobre el Brasil del siglo XX. Javier Pulido

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Recopila historias en dos partes: “La espada de arena” (1992-1995), viñetas de la guerra basadas en historias familiares, y “Mabui” (1996-2000), sobre el impacto de las bases estadounidenses en los años noventa. Higa (Okinawa, 1953) recuerda que su madre solo decía una cosa acerca de la batalla de Okinawa: “La guerra es sucia”. Durante la primera parte queda claro hasta qué punto hicieron mella estas palabras, con microrrelatos caóticos en los que gente de a pie se ve envuelta en un conflicto que ni les va ni les viene. Marcelo Criminal

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El amor no es una línea recta que va de A a B. Los cómics de Blutch tampoco. A y B son, precisamente, los protagonistas de la última obra de Christian Hincker, Blutch (Estrasburgo, 1967), que entiende el cómic como un espacio sin líneas rectas previsibles y donde la libertad le permite ser fiel a sí mismo tanto en obras de apariencia clásica –sus versiones de Tif y Tondu o de Lucky Luke– como en las más experimentales. “La nueva frontera” es un ejemplo de este último caso, cuando la estructura habitual del cómic salta por los aires. Aquí lo constatamos ya en la primera página, en las guardas. No hay portadilla ni créditos: abrimos el álbum y nos sumergimos en una historia ya en marcha. La idea viene reforzada por la primera imagen, la de un tren, también en marcha, como si saltáramos a ese convoy para subirnos a él. Jordi Canyissà

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“Señores del caos” (1998), de Michael J. Moynihan y Didrik Søderlind, logró que un ensayo dedicado a un nicho musical trascendiera a un público amplio. La crónica de los turbulentos años del movimiento black metal en Noruega durante los noventa, llena de personajes extremos y salpicada de un proto-true crime con quema de iglesias, suicidios y asesinatos. Magius (Diego Corbalán, Murcia, 1981) vuelve a esta historia –ya la abordó en su fanzine “Black Metal” (2001-2007)– y crea un libro nuevo que convierte a sus protagonistas en niños, con un dibujo en el que conviven figuras de caricatura casi cuqui y fondos de gran detalle. La imaginería nórdica y la parafernalia metalera se funden y confunden para confeccionar una iconografía bastarda que supone uno de los hallazgos más interesantes de un cómic cargado de ellos. Alex Serrano

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“Zatanna. Abajo la sala” apuesta por una flexible estructura de bildungsroman mágica de género fluido que tan pronto apela al thriller sobrenatural como al humor a ras de calle. La obra reinterpreta libremente el origen canónico de la maga más popular del Universo DC, pero se convierte en un cómic extraordinario por el trabajo de Javier Rodríguez (Oviedo, 1972), quien se encarga del dibujo, entintado y color para redimensionar la historia. Igual sucede en “Absolute Martian Manhunter 1-4”, un tebeo especial por el planteamiento sensorial de Rodríguez, que logra evocar la percepción “alienada” del protagonista a través de un audaz diseño visual que reivindica la materialidad del comic book como objeto tangible. Javier Pulido / Pepo Pérez

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“Aquí donde estoy” recupera las vivencias de Gabriel León Honrubia (1920-2021), quien, con tan solo 18 años, fue llamado a filas republicanas, en la “quinta del biberón”, y participó en la Batalla del Ebro. La guionista, María Castro Hernández (Madrid, 1969), trabó relación con él y pudo entrevistarlo en varias ocasiones. Pero no puede obviarse la inteligente labor de guion, que compone un relato fluido en su ir y venir entre pasado y presente. El humor y la necesidad de autocensurarse en sus cartas desde el frente contrastan con lo que ochenta años después puede contar, que es en lo que se basan las excelentes acuarelas de Tyto Alba (Badalona, 1975), dibujante expresivo, especializado en el uso emocional de un color que recrea el horror, el miedo de un joven en medio de la noche, cruzando un río mientras vuelan las balas. Gerardo Vilches

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Bajo la apariencia de historia de fantasmas canónica, la canadiense E. M. Carroll (1983) firma una obra de fuerte componente simbólico y emocional. Uno de los relatos de su antología de terror “Cruzando el bosque” (2014; Sapristi, 2015), “El nido”, ya anticipaba el giro estilístico de la autora, desde el gótico canónico al terreno del body horror: la amenaza ya no se esconde en tenebrosos bosques. Se arrastra bajo tu piel para devorarte desde dentro. En la tradición del terror gótico, el monstruo suponía una poderosa fuerza contranatura que emergía desde el exterior y que debía ser reprimida para restablecer el orden. La autora canadiense reformula el concepto de monstruosidad para adaptarlo al angst de los tiempos. La monstruosidad, lejos de resultar ajena, se presenta bajo la forma pesadillesca de la feminidad normativa. Javier Pulido

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¿Sirve la distinción clásica de Polibio entre multitud y muchedumbre en un conflicto sectario, dentro de un coloso como la India? Seguramente no, dado el origen religioso del problema, en este caso entre hindúes y musulmanes indios. Y Joe Sacco (Malta, 1960), gracias a su investigación periodística con el método riguroso de trabajo que lo ha convertido en un grande, apunta a que la desigualdad social estaría detrás de todo. Este cómic no está dedicado a los periodistas rurales indios porque sí. El autor se apoya en ellos para comprender los disturbios entre comunidades que antaño convivieron en paz. Se entrevista con supervivientes del conflicto de ambos bandos, y actores fundamentales: religiosos, académicos, líderes locales. La manera en que hace inteligible un relato tan complejo roza la genialidad. Isabel Guerrero

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Maggie y Hopey, núcleo emocional de la obra-río “Locas” (1981-), han adquirido tanta entidad que resultan ya casi ingobernables. Quizá el gran salto cualitativo del 50% de ‘Love & Rockets’ llegó cuando sus creaciones se independizaron y empezaron a dialogar de tú a tú con su creador, Jaime Hernandez (Oxnard, California, 1959). Si la obra de su hermano Beto Hernandez se revela como el reflejo de fantasías, deseos y pulsiones de su autor, Jaime ha preferido caminar acompañado hacia el otoño de su existencia. En “Dibujo del natural” lo celebra con la joven Tonta, personaje retomado tras el volumen “Tonta” (2019; La Cúpula, 2021), que le permite seguir alimentando la electricidad de Hoppers –ese imaginario barrio chicano de California– sin recurrir a artificios ni atajos emocionales. Aquí se asumen la madurez, la flacidez de la rutina y una lectura sin complejos de la novela del aburrimiento. Y, a la vez, se celebra la emoción de ese teen spirit tan efímero. Hay set pieces excelsas: los ratos muertos dibujando de los jóvenes con toda la vida por delante, el choque generacional entre la chavala Tonta y la madura Maggie, las confesiones de almohada, esa página de “todo lo no dicho” en la cama entre Ray y Maggie. Piezas que no hacen sino agrandar la figura de un Jaime titánico en lo formal y homérico en lo narrativo. Alex Serrano

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Norman ha quedado con Brunilda para cenar en La Plata. Feliz, pasea por los inabarcables bastidores de un teatro cuyo público parece exhausto ante una función interminable. Pronto descubre que, para llegar a su cita, debe pasar inevitablemente por el escenario. Pero ¿cuándo acabará la obra? Podría tardar días, y su cita es esa misma noche. Con esta premisa, inspirada en un sueño del autor, la primera novela gráfica de Genís Rigol (Barcelona, 1982) se revela como un cómic extraordinario. Una celebración de la historieta en todas sus dimensiones, una exploración visual y conceptual del teatro, el arte y la vida. Con ecos de los pioneros del cómic de la primera mitad del siglo XX (Winsor McCay, Herriman, Frank King, Milt Gross, George McManus), las vanguardias y el teatro de Beckett y Brecht, Rigol construye un universo donde la representación y lo representado se confunden, donde la ilusión de la vida y del arte se funden. Aquí todo es escenografía: los bastidores se alargan como pasillos de un sueño, los personajes deambulan entre decorados sin estrenar y un dramaturgo bloqueado intenta escribir el final perfecto para una obra que nunca termina. Más allá de su sofisticación estética, es una obra sobre la espera, el deseo y la imposibilidad de llegar a tiempo a la vida, sobre todo cuando le pedimos demasiado. Isabel Cortés

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Hay algo hermoso en cada comienzo de una obra artística. El chispazo producido por una idea o una imagen que arrastrará una infinidad de otras ideas e imágenes que, con suerte, no empañarán ese big bang original. Brecht Evens (Hasselt, Bélgica, 1986) sabe mucho de esto, y si algo nos fascina de su estilo es su capacidad de pintar con transparencias (acuarelas, rotuladores, tintas) de precisión magistral pero de apariencia completamente espontánea. “El Rey Medusa 1” consigue llevar esa energía a lo largo de sus casi trescientas páginas. Arranca con el nacimiento de su protagonista, Arthur, que inmediatamente enuncia uno de los temas fundamentales de la obra: “No podía reconocer los sonidos, no distinguía las formas, dónde empezaba una y terminaba otra. El mundo era un caos”. Este pensamiento prerracional, incapaz de interpretar los estímulos del mundo, propio de la cognición infantil, cristaliza en una larga colección de dibujos que por fin logra despertar a su padre de un largo letargo emocional aparentemente provocado por la muerte de su mujer. A partir de ese momento, el padre de Arthur, convencido de que hay una gran conspiración, comienza un ambicioso proyecto de entrenamiento con su hijo: supervivencia, camuflaje, combate, primeros auxilios y un gran bagaje de conocimientos heterodoxos. Marcelo Criminal

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Si algún historiador futuro quisiera entender la lógica de estos años del desencanto, haría bien en recuperar algunos cómics recientes que han documentado con lucidez el malestar contemporáneo desde la trinchera de lo cotidiano, partiendo de una perspectiva femenina, de clase, sociológica y generacional. La obra más reciente en sumarse a este enfoque que además sabe exprimir los recursos formales del cómic es “En vela”, donde Ana Penyas (Valencia, 1987) recurre al insomnio como percha para elaborar un documentado ensayo gráfico sobre los daños colaterales del capitalismo.

Penyas ganó el Premio Nacional del Cómic en 2018 con “Estamos todas bien” (Salamandra Graphic, 2017), gracias a su habilidad para hilvanar memoria personal e histórica. Esta vocación documental permeó también las páginas de “Todo bajo el sol” (Salamandra Graphic, 2021), una crónica íntima que refleja las últimas décadas de especulación turística y cultura del ladrillo. “En vela”, de tono más amargo y vocación experimental, hereda la apuesta por la polifonía y la habilidad narrativa para desnudar las miserias del capitalismo sin caer en la trampa del panfleto a lo largo de siete tortuosas noches de varios personajes incapaces de conciliar el sueño: empleados que temen perder el trabajo por no alcanzar objetivos, jóvenes secuestrados por la hiperestimulación de las redes sociales o atrapados en la precariedad, madres exhaustas de sostener a sus familias. Noches en vela en las que el ruido sordo del scroll infinito, pero también el sonido de la calle, adquiere una agresiva textura física que atormenta al elenco de sufridores en cama.

Formalmente, “En vela” también representa una evolución notable en la obra de Penyas, que en la balanza entre el trazo naif y grotesco se inclina por este último, con una apuesta renovada por los collages, su sello personal, en los que combina texturas, grafías e imágenes fotográficas de manera torrencial.

Parte de la narración se adentra en el desconcertante territorio onírico entre la duermevela y la pesadilla. “En vela” dialoga así con la tradición literaria del insomnio urbano que ha sabido convertir la noche en un sugerente territorio político y emocional, desde Flaubert a Annie Ernaux. Como ellos, Penyas configura en imágenes el hilo invisible que conecta las emociones privadas y las estructuras económicas que las determinan, retratando la textura sensorial de unos tiempos líquidos en los que hasta el descanso se ha convertido en una experiencia premium. Javier Pulido

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