2024/ Discos internacionales

La quintaesencia del espíritu del disco –y del trío– está en la agresiva “I bhFiacha Linne”, himno de resistencia en el que los de Belfast arremeten contra las injusticias sociales y económicas que azotan a su comunidad; pelotazo construido en torno a un irresistible sample de ese monumento del acid techno llamado “Cübik”, publicado en 1990 por 808 State. Y demostración palpable del “Si no puedo bailar no es mi revolución” atribuido (más o menos) a la anarquista Emma Goldman. Luis Miguel Flores

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El mapa musical de King Hannah siempre ha sido muy americano, y aquí las referencias pueden deletrearse. “Lily Pad” incluye una mención (y suena ligeramente) a Slint. “John Prine On The Radio” convierte al icono country-folk citado en el título en sinónimo de paz doméstica. Aunque el nombre de Bill Callahan no aparezca, “Suddenly, Your Hand” parece su revisión de “Pigeons”. King Hannah están enamorados de Estados Unidos y, por suerte para ellos, es algo recíproco. Juan Manuel Freire

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Hace casi 30 años seguían los pasos de los grandes del bluegrass y el folk, rindiendo homenaje a sus predecesores. Hoy marcan el camino que inspirará a generaciones venideras. Entran en una nueva era y nosotros tenemos el privilegio de verlos reconstruirla con canciones filtradas a través de una lente americana contemporánea, manteniéndose como una de las referencias más importantes como dúo de raíces acústicas. Ana Dara Peña Giraldo

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Suena como una jauría de lobos enjaulados, como el fruto de la cópula entre Led Zeppelin y Elmore James que tantas veces ha tenido como ideal de pureza. Espléndida secuencia de diamantes sin pulir, catorce cortes que son como una orgía de alaridos procaces, abruptos cambios de ritmo, clarividencia melódica dentro de los cánones del blues-rock más agreste y riffs de guitarra dañinos como el alambre de espino, que completan uno de sus mejores trabajos. Aunque no tenga nombre. Carlos Pérez de Ziriza

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Suena más rabioso que nunca, como si se hubiese marcado la misión de insuflar a su tierra toda la energía eléctrica que le falta, y que les es expoliada por la explotación de sus minas. La canción protesta de Mdou Moctar apunta en más direcciones. En “Imouhar” muestra el disgusto porque su pueblo no hable mayoritariamente la lengua tamasheq y “Sousome Tamacheq” culpa de oprimirla a los gobiernos de Malí, Níger y Argelia. David Saavedra

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No hay forma de aburrirse con “Charm”. A ello contribuye la producción de Leon Michels, responsable del fondo sonoro y riqueza de arreglos de estas canciones sobre aventuras sentimentales, amour fou sin complicaciones y gestos fugaces. El disco fluye ligero de ropa como las mejores horas del verano. Clairo y Michels recurren al pasado setentero de sus padres sin que tampoco se note porque lo que suena no es en absoluto viejuno, sino atemporal y alérgico al cliché. José Manuel Caturla

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Consolida su talento iconoclasta abogando por un concepto bicéfalo. Empezando por una convivencia entre guitarras eléctricas y acústicas que viene a simbolizar los dos polos en los que se mueve el álbum. Cuerdas a modo de orquestación de fondo y omnipresencia de una percusión sin igual en el hip hop actual. Vanguardia y colisión de géneros al límite de una sensación de horror vacui que más que abrumar invita a ahondar. Anton Casas

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Las ocho primeras canciones, sin un segundo de silencio entre ellas, constituyen un collage enérgico y preciso, un diálogo entre la banda de rock y el sampleado más fino, en el que cada fragmento tiene la duración adecuada y enlaza por choque y por empatía a la vez con el siguiente. Contundencia y refinamiento, vociferio exquisito; he ahí el equilibrio constante de Yard Act. Un locurón perfectamente controlado, de inventiva constante. Ricardo Aldarondo

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El último ofrecimiento del grupo de Chicago, que llega a su conclusión antes de alcanzar la media hora de duración, es una ejemplar y sucinta muestra de su creatividad orgánica y honestidad sin artificios. Igual que en obras anteriores, contiene momentos realmente memorables, y otros que podrían resultar más insustanciales. Sin ser una obra maestra tardía de la formación, sí captura la genialidad individual de cada una de las piezas de la maquinaria Albini/Weston/Trainer. Xavier Gaillard

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Es su disco más ambicioso. Una predisposición familiar a la enfermedad mental ha inspirado la obra de este músico, también The Beatles, Wu-Tang Clan o The Zombies –bandas cuyos discos enriquecidos no se agotan con la primera escucha–, y la urgencia de exorcizar, partido a partido, los fantasmas del pasado. El góspel épico-fatalista de Ryder-Jones, músico superdotado que empieza a encontrar su sitio en el Olimpo a sus 40 años, alcanza varios cénits en el disco. José Manuel Caturla

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No es un grupo fácil de clasificar. Su mayor valor es la voz de su líder, Lily Fontaine. Y no me refiero solo a sus interpretaciones, sino también a su modo de escribir. Las canciones parten de lo vivido, lo soñado y lo reflexionado, de la experiencia personal, y se abren siempre al trasfondo social y político. Estamos ante uno de los mejores álbumes de debut del año, pero lo mejor es el futuro que nos hace vislumbrar para esta banda. David Saavedra

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El quinteto afincado en la ciudad de las ratas gigantes está listo para despegar con una entidad propia, como demuestra este primer volumen. Uno que podría sintetizarse como el grito de una juventud atrapada en una urbe apabullante, capaz de arrastrarte hacia un torbellino de emociones no siempre fácil de atajar. También son capaces de encontrar un punto dócil, ese enganche melódico, esa trampilla hacia modales más llevaderos. Marc Muñoz

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En su nueva aventura tiene un papel destacado la tradición africana de la rumba congoleña y el highlife ghanés y otras derivaciones afrocaribeñas como la champeta y la cumbia. Es un tributo a los picos, coloristas soundsystems que inundan de sonidos africanos tanto Barranquilla como la costa caribeña de Colombia. No dejan de aparecer las constantes que le han dado su personalidad, en un bricolaje retrofuturista de sonidos. Ramon Súrio

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A la música de Chat Pile se le puede poner los prefijos que uno quiera, pero lo que no cambiará es su fisicidad, esa sensación de enfrentarse a una taladradora sobrecargada de electricidad que va succionando las vísceras hasta dejarte seco, arrojado a las ruinas de un paisaje posapocalíptico. Aunque el factor sorpresa se rebaje, la propuesta continúa incorruptible, desplegando perturbadores daguerrotipos de un escenario de capitalismo que únicamente sabe modelar callejones de angustia. Juan Cervera

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El lisboeta, experimentador nato de las posibilidades de la guitarra eléctrica, el feedback, los drones, loops, modulaciones ralentizadas y manipulaciones varias, es capaz de extraer de su instrumento sonidos que parecen de otros muchos instrumentos que no tienen nada que ver con las seis cuerdas electrificadas y combinarlos con artilugios electrónicos construidos por él mismo. Tras distintas fases en su obra, se instala con este nuevo disco en una zona cómoda pero no de confort. Quim Casas

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Apenas se distancia de las bases que ya asentaron en su anterior LP. La banda renueva sus votos y vuelve a apostar por las guitarras frenéticas, los crescendos catárticos y las letras que rozan la poesía hablada. Lo que realmente cautiva de cada canción es la poética que rodea sus versos viscerales y la voz astillada de Margolin, que lo engulle todo a su paso mientras cauteriza su mal de amores. Sara Vega

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La sorpresa, el choque, es el procesamiento extremo, a través de un pedal de efectos, de la voz de Sparhawk: es una especie de bebé robot quien canta en este disco, con toda la extrañeza y fascinación y a veces ligera frustración que ello puede conllevar. Sparhawk no se exige esta vez componer canciones más o menos redondas, sino que se deja llevar por impulsos improvisatorios. Sparhawk procesa su dolor persiguiendo riesgos musicales hasta sus últimas consecuencias. Juan Manuel Freire

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Desacomplejado, divertido, casi más populista que popular, sin miedo al qué dirán ni a la amenaza de lo uncool. Secuenciado con esmero, como una experta sesión de DJ, el viaje arranca con la intro de “Wanna” para pasar rápidamente a la contundente “Treat Each Other Right”. Le sigue “Waited All Night”, reunión con sus compañeros de The xx. Sin dar respiro llega “Baddy On The Floor”, revoltoso piano house con Honey Dijon. “Still Summer” es un raro (casi) miss en una sucesión de hits. Juan Manuel Freire

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Un disco acústico y de raíces donde se aprecia la facilidad de Zimmerman para construir dinámicas que fluyen desde el country melancólico hasta el folk bizarro. Suena a directo íntimo, a comunión alrededor de una hoguera fraterna, más de las vanidades que de los Boy Scouts, aunque Zimmerman se muestre, afortunadamente para todos, más sabio que agrio, y cautivadoramente sencillo. También sabe a libertad de movimientos para las doce cuerdas. Un álbum de notable alto. José Manuel Caturla

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Todo el trayecto de este LP está forjado en torno a la rítmica circular que funde soul espiritual con la arenosa fricción eléctrica del minimalismo math rock. En todo momento bulle un cuerpo sonoro repleto de matices, de puertas abiertas al slowcore, a contrapié percusivo del Midwest emo, a la experimentación de Labradford y, al mismo tiempo, a la pasión desgarbada del góspel, después de haberlo roto en mil pedazos. Marcos Gendre

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Recálculo de su ruta, distante de prismas precedentes e inmersa ahora en una flotante y espiritual respiración que invita a la reflexión. La introspección no debe ser concebida como sinónimo de pasividad. Un disco magnético, vehículo expansor del jazz de modelos del peso de Don Cherry o Alice Coltrane y cuyos títulos construyen una poética narración que extrapolan la experiencia interior al mundo que nos acoge. Salvador Catalán

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Los resultados de este trabajo no dejan de ser la consecución de un intenso work in progress del cual están brotando algunas de las flores extrañas más memorables que nos ha proporcionado el pop de este siglo. El objetivo siempre es el mismo: alcanzar pináculos de heterodoxia pop en canciones ajenas a corsés métricos y toda clase de límites que les impidan sonar previsibles. Como si Yorke, Greenwood y Skinner hubieran mutado en una suerte de improvisadores natos. Marcos Gendre

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Pasan las décadas, pero Chris Lowe y Neil Tennant parecen no perder su pasión por la música, buscando siempre nuevos ángulos. Convertidos en un estilo en sí mismos, el dúo maravillas lleva toda su carrera haciendo equilibrios en la fórmula melancolía + euforia sin que esta parezca secarse por completo. Para “Nonetheless” han contado con James Ford. Lo más notable de la opción se palpa en la decisión de que las canciones del álbum están orquestadas, dándole a las composiciones un aire suntuoso y lírico. Juan Cervera

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Redondea el sonido de su trabajo previo y su infinita imaginación la conduce a terrenos hasta ahora ignotos. Se puede trazar una línea para unir toda su trayectoria. Lo difícil es averiguar qué dirección tomará en su siguiente arrebato. Ha salpicado su disco de un optimismo que tiene en “Another Day” su paradigma. El equilibrio lo logra con piezas de R&B minimalista al estilo de Cleo Sol como “To Be Still” y baladas como “Samson”, a la que la trompeta con sordina da un aire taciturno. Carlos Marlasca

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Se presenta como un espacio abierto y oportuno a las reflexiones a las que incita el contexto musical actual. Es un disco de shoegaze-pop en estructura y composición, pero de alt-country en producción y arreglos. Sheryl Crow parece una de sus referencias más inmediatas, pero las melodías vocales están más cercanas a Alvvays. Desnudando los temas del dobro y el banjo, del melotrón y de los melismas vocales de Crutchfield, costaría encontrar el rastro de la “canción puramente americana”. Marta España

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No es solo una aproximación a la música popular de Reino Unido, sino también una revisión de cuánto ha cambiado ese concepto para él de forma interna: Cook se encuentra con su yo infantil al desempolvar su vieja guitarra o formar una discográfica con un manifiesto distinto. Por supuesto, los panes de este sándwich reafirman a Cook como uno de los mejores productores de su tiempo: sus canciones podrían destacar más, porque antes que compositor es un sonidista impecable y un mago conceptual. Marta España

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¿Qué se oye bajo el epígrafe de “nuevo sonido”? Pues un carrusel de música sin complejos que hunde sus cimientos en King Crimson y Frank Zappa, en el jazz progresivo y los oropeles del music hall de provincias, en la MPB brasileña, la exótica latina y el Gran Cancionero Americano... ¿Suena indigesto? Sobre el papel puede que sí, pero en el resultado final NO. Aquí se destilan 60 minutos largos de sonido dinámico y exultante al que Greep logra dotar de una extraña coherencia. Juan Cervera

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Parte de recuerdos débiles y entremezclados, vivencias personales o por delegación, sensaciones que han experimentado otros y creemos que son nuestras. Sus músicas para películas empiezan a mezclarse con las que compone fuera del ámbito cinematográfico. Una cosa parece llevar a la otra y hasta podríamos considerar algunas piezas de “Throb, Shiver, Arrow Of Time” como temas para una película inexistente que podía existir cruzada por la flecha del tiempo de Martin Amis. Quim Casas

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Aislados, no parecerían innovadores los elementos aquí planteados: la innovación recae en su encuentro dentro de las composiciones y en la secuenciación a lo largo del álbum, interesado en reinventarse a través de maneras distintas de entender y canalizar lo “percusivo”; vías complejas y precisas que nunca suscitan excesivo dolor de cabeza. Así, Jlin logra un vanguardismo accesible que respira como honesto compendio y continuación lógica de las fijaciones de una artista plenamente formada. Xavier Gaillard

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El lenguaje que adopta es el del miedo y el deseo, el de la duda y la desesperación. Todas sus letras van sobre cagarla, sobre procesar difícilmente el apetito y el anhelo, sobre fingir estar bien cuando no lo estás, sobre sofocar las voces interiores a base de alcohol y una falsa extroversión. Al exponerse de un modo más descarnado revela por primera vez un espíritu mucho más melódico, y las melodías son lo que hace que la música de rousay se sienta más tangible que nunca en este álbum. Diego Rubio

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A estas alturas de su carrera, pueden permitirse el lujo de operar sin prisas. Vuelven a sazonar su pócima con soul como en “Simple Pleasure” (1999) o “Can Our Love…” (2001). Y así transcurre “Soft Tissue”, sofocando los fluidos derramados por sus ocho canciones, para cerrar suavemente con “Soon To Be April”, donde el minimalismo sonoro y el maximalismo emocional suena tan melancólico y optimista como una música de Henry Mancini. Una obra maestra. José Manuel Caturla

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Su excelente cuarto álbum de estudio es un salvajismo sin filtro. En estos últimos años, su reputación se ha inflado como un globo, y con razón. De los que desestiman las referencias musicales que aquí rebullen esperamos su absolución, pero seguro que en algo estamos de acuerdo: este álbum, que conversa con la ruptura, es una auténtica autopsia de fascinación, confusión y miedo a la tristeza. La familiaridad de los personajes reside en sus desgracias y no en sus éxitos. Ana Dara Peña Giraldo

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En este cuarto álbum de Fratti se ocultan algunas de las mejores muestras de su (out-)pop. Canciones que abren orejas y arrastran milagrosamente a nuevos públicos hasta artistas que no piensan en términos de ventas. ¿Es la inseguridad lo único seguro? ¿Debemos aprender a estar tranquilos en la intranquilidad y olvidarnos del espejismo del control? Son la clase de preguntas que parece hacerse Fratti en un disco cerrado, a lo grande, con el crescendo tenso de “Ángel nuevo”. Juan Manuel Freire

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Escurridizo como el agua, abundante en canciones que cambian todo el tiempo –sin avisar pero con naturalidad– de estilo o tempo, podría ser su disco más diverso. No le faltan grandes baladas marca de la casa: son cosas como “These Morning” o mi favorita personal, “Evening Mood”, un homenaje a la noche con ecos de Joni Mitchell y un solo de clarinete maravilloso de Chris Speed. Más vanguardistas resultan la cruda “Materia”, el instrumental medio improvisado “Ocean” o, sobre todo, ese experimento a capela con coro de lujo llamado “Meyou”. Tan ajena a las expectativas y las modas como Björk, Holter ha vuelto a hacer un disco solamente suyo, encadenado a su subconsciente más profundo, a sus impulsos más íntimos e inexplicables. Los algoritmos no sabrán qué hacer con él. Juan Manuel Freire

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La comunión entre líneas acústicas y sintetizadores genera una colectiva y absorbente esfera sonora. La interrelación instrumental desborda la convencional alineación entre grupo y solista, tejiendo sinuosas exposiciones durante las que se suceden clímax, puentes y distensiones a través de una arquitectura panorámica estimulada por fragmentos y tramas que van creciendo en sucesivas escuchas. “Endlessness” termina por expresar esa “celebración expansiva y fascinante de los ciclos de vida y el renacimiento” que persigue su autora, responsable también de arreglos, producción y mezclas de un trabajo donde la acabada sonoridad se antoja tan decisiva como su sustancioso proceso. Una invitación a la interiorización que fluye, espacial y tentadora, a través de capas y cadencias. Salvador Catalán

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Basa su grado de experimentación en el dominio versátil de sus autores respecto a todo lo que tocan, pero en ningún momento pierde el norte ni el embrujo inmersivo. En “HIT ME HARD AND SOFT” es capaz de cosas que quizá muchos no imaginábamos de ella, accediendo a los lugares más sofisticados y preciosistas del imaginario pop contemporáneo, pero sin perder ni un ápice de su personalidad. En la terna final del álbum Eilish se convierte en inesperada heredera espiritual de Lana Del Rey. Un disco que recuerda mucho en ánimo a “Melodrama” (2017) de Lorde, que es gigante y a la vez chiquitito, que golpea a veces suave y a veces fuerte. Y que captura la universalidad de los sentimientos de una mujer joven que es consciente del tiempo en el que vive y del momento que está viviendo. Diego Rubio

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Incluye algunas de las mejores canciones de su carrera, pero también presenta a una Nilüfer más centrada, con más personalidad y desmarcándose de propuestas análogas por la profundidad de sus interpretaciones y ambición sonora en los arreglos. Sorpresas en estructuras mutantes y arreglos que suenan con mayor seguridad: no hay miedo a desarmar al oyente ni para extremar una propuesta artística que, en todo caso, siempre suena natural. Hay ambición pero también mayor seguridad en lo que hace Yanya: combinación ganadora. El elemento fundamental del sonido es la guitarra eléctrica. No es tan fácil encontrar a alguien que tenga un sonido propio, como es el caso de Nilüfer. Su particular manera de rasguear, cruda, pero controlada, permea la mayoría de cortes de un LP que fluye como un viaje. Nacho Ruiz

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Un disco admirable, quizá algo menos inasible, indescriptible que el anterior, pero todavía con sus partes de spoken word, sus grabaciones de campo, su elemento arty… Su magia extraña, en fin. Entre lo más decididamente arty tenemos “Delphinium Blue”, con Jenkins hablando casi más que cantando, siguiendo las enseñanzas de Laurie Anderson. También hablada es la misteriosa “Attente téléphonique”. Y en la emotiva “Betelgeuse” enreda pianos y drones en la voz de su madre Sandra, profesora de ciencia, que comparte con Cassandra unos minutos de observación de los astros. Como en el gran disco que la reveló, Jenkins ve nuestras pequeñas vidas como parte de algo mayor, importante, misterioso; un proyecto demasiado fascinante como para rendirnos a la desesperanza, limitarnos a ver los días pasar, dejar de intentarlo. Juan Manuel Freire

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“Romance” los ve desarraigarse definitivamente. Ahondar más en la vis grunge en que se subliman a sí mismos. Afinar su sensibilidad pop para hacerla coincidir con unas ambiciones que los conectan con la tradición art rock de estadios, y que traslucen no solo en su fichaje por XL o en que hayan escogido por primera vez como productor a James Ford. Y cambiar las referencias y los localismos por lugares comunes, conformando una oda a la capacidad prevalente del amor sobre todas las cosas. Sin inventar nada, Fontaines D.C. se han convertido, quizá, en el grupo que mejor define hoy el mundo desde los ojos de lo que tradicionalmente entenderíamos por banda de rock. Las guitarras que mejor narran, a gran pantalla y para todos los públicos, el apocalipsis de nuestra civilización. Diego Rubio

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Podría pasar como continuación de “A Moon Shaped Pool” (2016) de Radiohead. Lo que distingue este disco de otros de Radiohead o de “A Light For Attracting Attention” (2022) es un sonido de menor precisión quirúrgica, más orgánico. Cubriendo todo de incertidumbre, el cripticismo lírico de Yorke, empezando por la exploración de nuestra vida paranoica que mueve el tema titular inicial, bossa en la onda de “House Of Cards”. “Teleharmonic” y “Bending Hectic” aparte, cuesta discernir cuántos de estos temas se considerarán clásicos en el futuro. Pero en días en que tantas bandas veteranas se acomodan en los laureles, sorprende ver a (dos quintas partes de) Radiohead siendo coherentes con su antiguo espíritu de búsqueda y buscando más visiones retorcidas del rock moderno. Juan Manuel Freire

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La artista puede agarrarse a elementos antiguos y folclóricos, pero elude los clichés instrumentales de la world music. No quiere ser representante de una cultura, sino ser simplemente ella misma: buscar un estilo propio a base de voces poderosas en la sutileza, desarrollos instrumentales tan largos como delicados, silencio y calma. Aftab juega un poco a la revelación y la sorpresa en este “Night Reign” embrujador de principio a fin. En la decididamente nocturna, solitaria “Raat Ki Rani” (o “Reina de la noche”, ese jazmín de floración nocturna), conquista las almas a base de delicado Auto-Tune. Así podría sonar Sade en 2024. Y lo antiguo nunca está tan lejos: “Na Gul” y “Saaqi” son adaptaciones musicales de la escritura de la cortesana, bailarina y poeta Mah Laqa Bai. Juan Manuel Freire

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Su quinto álbum en solitario sucede a “songs and instrumentals” (2020), pero esta vez, y ahí reside la magia, la premisa era que no había intención de hacer un disco. Lenker invitó a tres de sus músicos más queridos a un estudio en medio del bosque con la única intención de “adentrarse” en algunas canciones que había compuesto. Pero todo encajó y acabaron grabando un LP que nos transporta directamente a ese estudio analógico en mitad de la naturaleza donde esas canciones cobraron vida. El desamor y la familia son los temas centrales de este disco, por los que Lenker transita con una calidez desarmante. Pero el tono no es siempre lúgubre o apesadumbrado. Es otra obra redonda de Adrianne Lenker. Una que consigue transmitir fielmente la “magia” que se alcanzó mientras se estaba gestando. Aleix Ibars

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Lo que escuchamos en “BYE BYE” es trap belicoso, lo que suena en “I’m A Man” es ruido endemoniado sojuzgando a los hi-hats y los bombos, mientras que la caja de ritmos de “Shelf Warmer” tampoco deja lugar a dudas sobre el encaste southern de buena parte del disco. La beligerancia de la obra también aflora en los textos: la enumeración ad infinitum de “BYE BYE” subraya el absurdo cotidiano al que a menudo debemos enfrentarnos, la ruta de “Psychedelic Orgasm” radiografía el agujero negro existencial que implosiona en los grandes núcleos urbanos y en “I’m A Man” subimos al desván del macho para comprobar que no asume su ponzoñosa personalidad. Kim Gordon sigue sin deponer su combativa actitud artística. Ha firmado otro disco relevante que nos apela e incomoda en la misma medida. Brava. César Luquero

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Nos deleita con suaves acordes de piano y grandes arreglos orquestales que, curiosamente, ha distorsionado ligeramente en la producción, deliberadamente tosca… tal vez asustado de lo lírico que le estaba resultando el disco, y que él define como “sonido sucio y majestuoso”. Va acompañado de letras que uno difícilmente habría creído posibles en Nick Cave: confesiones sobre la vida y el amor eufóricas y llenas de júbilo, con una visión del futuro ilimitadamente optimista. No hay ni un momento que nos recuerde a los Bad Seeds galopando sobre crescendos enloquecidos. Lo que ha construido es una narración a la que coros de corte góspel dan formato panorámico. Este patrón aparece desde la canción con la que se abre el disco y se repite a lo largo de todo el álbum. Jesús Rodríguez Lenin

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En tan solo cuatro álbumes ha pasado del delicado weird folk de su debut a una refinada, personal y atemporal combinación de pop acústico con aromas de jazz que ya había tomado forma en “Quiet Signs” (2019), allí de una forma minimalista y nocturna y aquí con cierto influjo de la bossa nova que insufla color y calidez. Su música parece venir de otro tiempo, como una de esas grabaciones que los ingenieros de la NASA colocan en las cápsulas espaciales como muestra para potenciales oyentes extraterrestres, a muchos años luz. En cuanto a las letras, su forma de trabajar es intuitiva, dejando el significado muy abierto. Su visión de las zonas oscuras de las relaciones y del sueño dorado americano mutado en pesadilla están ahí, aunque contrapuesta a invocaciones a la resiliencia y el seguir adelante. Pepe Nave

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Un disco introspectivo con un sonido único, al que sospechas que solo se puede llegar después de un largo período de experimentación, pruebas y una severa exploración artística y personal. A pesar de carecer de la originalidad que planteaba su obra anterior, porque el impacto de Portishead todavía resuena con rotundidad gracias a una visión desafiante y un sonido difícilmente igualable, este nuevo episodio de la carrera de la intérprete de Bristol resuelve con solidez un nuevo posicionamiento vital, en el que aborda temas como el envejecimiento, la muerte y la futilidad del ser humano. Pese a un posible exceso conceptual y abstracto, este es un disco magistral que, sin ser una obra maestra, porque de esas hay pocas, la vuelve a situar como vocalista que ha dejado una profunda huella. Jaime Casas

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Robert Smith recupera la inspiración recurriendo a torrentes inagotables como la memoria, la pérdida de lo querido y la autoconciencia de finitud, material con el que es fácil pasarse de la raya. Smith, que da rienda suelta a sus pensamientos más íntimos desde la experiencia personal, tampoco convierte “Songs Of A Lost World” en un funeral. Ajeno a las modas, no deja de ser pop y nos brinda esa chispa de belleza accesible que casi siempre está presente en este tipo de arte. El compositor confiesa que estas nuevas viejas canciones le “importan” de verdad, no como otras en el pasado. El romanticismo fatalista de Poe persiste decorado con un atrezo más creíble y realista que nunca, y la estética de la desesperanza en la que habitualmente se desenvuelve Smith aún propone aventuras. José Manuel Caturla

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Del protoglam al synthwave alocado, estamos ante una especie de primo lejano del “69 Love Songs” (1999) de The Magnetic Fields, aunque dentro de una concepción más arriesgada e hipnótica en su elaboración. La vía hipnagógica es el hilo conductor de la amalgama de tonos capturados a lo largo de tan inolvidable viaje a través de épocas y estilos tan variados como puede ser el sonido de los girl groups de los años sesenta, el rock’n’ roll paleolítico, la psicodelia ruidista, el pop barroco, la música disco, el folk medieval o el dream country. Todas las piezas están cuajadas bajo la ley del contraste entre la duermevela y las tormentas eléctricas. Con semejante impronta de acción, avanza con inaudita seguridad a través de una oda sin cortapisas hacia la melancolía y los amores heridos. Marcos Gendre

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Estamos ante un trabajo de verdad especial, llamado a permanecer en nuestros dispositivos de escucha durante mucho tiempo. Es un disco de sonido explosivo –elocuente mezcla del especialista en saturaciones Dave Fridmann– que se perfila como negativo de su disperso aunque también recomendable antecesor. Ocho canciones menos que aquel, más concreción y el espíritu de los tres primeros álbumes de la banda sobrevolando composiciones como “Classical”, “Connect” o “Gen-X Cops”, que se postulan desde ya como nuevos hitos para uno de los repertorios más consistentes del rock de extracción independiente de este primer cuarto de siglo. Lo bueno del asunto es que no son meras actualizaciones de su libro de estilo primigenio, aunque certifican el rencuentro de la banda con aquella dialéctica fulgurante. César Luquero

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Si has estado merodeando por las redes sociales en las últimas semanas, lo más probable es que hayas sentido la presencia de una energía especial o de una placa tectónica en movimiento en el planeta del pop. Es también muy probable que un tono muy específico de verde lima haya inundado tu interfaz en más de una ocasión o que te hayas cruzado con un alud de memes con una palabreja en común: “brat”.

Y es que cuando el pasado febrero Charli XCX anunció su nuevo disco con este título, lo hizo desplegando un arsenal promocional que no dejó a nadie indiferente. Primero, a través de la misteriosa cuenta de Instagram @360_brat que vislumbraba un nuevo alter ego rebosante de confianza, atrevimiento y ganas de juerga. Después, presentando este alter ego en sociedad con la primera de sus fiestas temáticas PARTYGIRL: una sesión Boiler Room en Brooklyn con la presencia, entre muchas, de cabecillas del star system digital como la actriz Julia Fox y la tiktoker Addison Rae.

Por aquel entonces todavía teníamos en mente su anterior lanzamiento, “CRASH” (2022), un LP con ecos de sus iniciáticos y radiofónicos “True Romance” (2013) y “Sucker” (2015) enfocado a explotar su lado más mainstream; repleto de samples ochenteros, reminiscencias dance-pop y estética a lo Janet Jackson. Pero para regocijo de muchos fans, ahora Charli parecía querer volver a sus verdaderos orígenes: a sus primeras raves londinenses y a sus viejos amigos del sello PC Music como A.G. Cook y EASYFUN.

Los dos temas que abren el disco, “360” y “Club Classics”, se alinean con el espíritu hyperpop de proyectos anteriores como “Charli” (2019), “how i’m feeling now” (2020) y el fan favourite “Pop 2” (2017) –al que la propia Charli ha considerado su álbum mellizo– y profundizan en sonidos más ásperos y en letras que rezuman sudor, focos y noches de desenfreno. En ese frenesí festivo también situamos “Mean Girls”, una radiografía burlesca de las feminidades contemporáneas producida por el escocés Hudson Mohawke, y el single “Von Dutch”, himno instantáneo de esas previas con amigas entre copas de vino, lápices de labios, colillas consumiéndose en el cenicero y chutes de autoestima con cada “¡Pero qué guapa estás, tía!”.

Y no nos vamos a engañar; si Charli hubiese decidido seguir esta hoja de ruta durante todo el álbum, nos habríamos quedado la mar de satisfechas. Pero lo verdaderamente interesante se empieza a entrever en el tercer tema del LP, “Sympathy Is A Knife”, donde encontramos a una Charli insegura y vulnerable camuflada tras las bases de rave. “This one girl taps my insecurities / Don’t know if it’s real or if I’m spiraling”, canta en el primer verso; y aunque internet no ha tardado ni un minuto en especular que el sujeto de la canción es Taylor Swift –y en debatir si es Lorde o Marina Diamandis la artista anónima a la que Charli admite sentirse comparada en “Girl, So Confusing”–, es mucho más importante dar un paso atrás y admirar la visión en conjunto: a una artista dispuesta a construir toda la imagen de su disco sobre la idea del culto a sí misma para luego dinamitarla desde dentro.

“I’m a mirrorball / And I’ll show you every version of yourself tonight”, cantaba Taylor Swift en “folklore” (2020). Y con palabras parecidas, Charli XCX consigue reflejar todos los vértices y aristas de nuestras (y sus) emociones y contradicciones en “brat”. En “Rewind”, se sincera sobre las inseguridades que le genera su trayectoria profesional, mientras que “Apple” desentierra fricciones familiares, “I Think About It All The Time” indaga en su visión de la maternidad y la balada “I Might Say Something Stupid” explora la compleja relación con su cuerpo.

La Charli más seductora sale a relucir en la romántica “Talk Talk” –ensoñación de sus primeros meses de flirteo con su actual prometido, el músico y productor George Daniel–, que junto al single “B2B” forman el tándem de canciones más próximas en lo sonoro al pop melódico de “CRASH”. “Everything Is Romantic” encapsula quizá el momento más apoteósico del LP: entre cuerdas barrocas y loops en constante crescendo, Charli narra al detalle unas vacaciones en Italia bajo el embrujo del amor con una producción excelsa a cargo de El Guincho y A.G. Cook. Pero la mejor carta de amor de todo el trayecto se encuentra en “So I”, una emotiva despedida a la visionaria SOPHIE que evoca su onírico “It’s Okay To Cry” y promete hacernos llorar también a los que estamos al otro lado del altavoz.

La guinda del pastel la pone la frenética “365”, que junto a los tres bonus tracks de la edición deluxe (“Hello Goodbye”, “Guess” –producida por el norteamericano The Dare– y “Spring Breakers”) pone el broche final al disco. Con melodías dionisíacas sobre una base que samplea la introductoria “360”, “365” nos catapulta a un universo de excesos nocturnos sin pausa y convierte el álbum en un bucle cerrado y perfecto. Porque salir de fiesta a veces es vivir todas las emociones a la vez en todas partes: es bailar y divertirse, pero también es rebuscar en el armario hasta que encuentras el conjunto que no te hace sentir insegura, ilusionarte cuando cruzas miradas con la persona que te gusta, llorarle a la amiga porque te ha dado el bajón o volver a casa con una sonrisa de alivio cuando se nos acaba la batería social. Y de fiestas, Charli XCX sabe más que nadie. Sara Vega